High Rise - II
(1986, P.S.F. Records)
noise rock / psychedelic rock
Японский нойз-рок - это не только Boredoms, Boris и Melt-Banana. Сегодня послушаем дебютный альбом одной из олдскульных нойз-групп High Rise, сочетавших психоделию, панк и даже влияние хард-рока.
High Rise появились в начале 80-ых в период расцвета японского нойз-рока. Однако, в отличие от многих других, эта группа не была широко известна на Западе. High Rise на момент записи дебютного альбома - это басист и вокалист Asahito Nanjo, игравший также в Mainliner, гитарист Munehiro Narita и барабанщик Yuro Ujiie. Сначала они назвались Psychedelic Speed Freaks (и не поспоришь), но на лейбле их попросили сменить название, потому что оригинальное звучало уж слишком прямолинейно. Кстати, лейбл был не какой-нибудь, а один из самых известных в японском андуграунде - P.S.F. Records, на котором записывались в своё время Acid Mothers Temple, Keiji Haino и Fushitsusha. Переименовались музыканты тоже красиво, High Rise - отсылка к антиутопическому роману Д. Балларда "Высотка".
"II" - громкий, неудержимый и очень энергичный альбом. Ведущая роль здесь, разумеется, у гитары Munehiro Narita и баса Asahito Nanjo: 10-минутные запилы, плотные волны басового грува, импровизационные соло - в духе авангарда, а местами и вовсе тянет на утяжелённый фри-джаз. Стоит заметить, что High Rise редко продумывали композиции заранее, чаще всего это были импровизации. Однако даёт о себе знать бэкграунд гитариста, на чей стиль игры сильно повлияли в своё время Blue Cheer и Grand Funk Railroad. Вокал Asahito Nanjo появляется редко, но и когда звучит, тонет где-то за слоями гитарного звука, но и это звучит очень круто. Создаётся впечатление, что стоишь где-то в 80-ых в японском андеграундном клубе, где, как обычно, всё очень плохо со звуком - от гитары закладывает уши, а слова вокалиста разобрать невозможно. Да и кому по-хорошему нужно их разбирать?
В общем, не упустите один из интереснейших, по нашему мнению, японских психоделических и нойзовых рок-альбомов. Плотный звук, мощные соло и много импровизации.
(1986, P.S.F. Records)
noise rock / psychedelic rock
Японский нойз-рок - это не только Boredoms, Boris и Melt-Banana. Сегодня послушаем дебютный альбом одной из олдскульных нойз-групп High Rise, сочетавших психоделию, панк и даже влияние хард-рока.
High Rise появились в начале 80-ых в период расцвета японского нойз-рока. Однако, в отличие от многих других, эта группа не была широко известна на Западе. High Rise на момент записи дебютного альбома - это басист и вокалист Asahito Nanjo, игравший также в Mainliner, гитарист Munehiro Narita и барабанщик Yuro Ujiie. Сначала они назвались Psychedelic Speed Freaks (и не поспоришь), но на лейбле их попросили сменить название, потому что оригинальное звучало уж слишком прямолинейно. Кстати, лейбл был не какой-нибудь, а один из самых известных в японском андуграунде - P.S.F. Records, на котором записывались в своё время Acid Mothers Temple, Keiji Haino и Fushitsusha. Переименовались музыканты тоже красиво, High Rise - отсылка к антиутопическому роману Д. Балларда "Высотка".
"II" - громкий, неудержимый и очень энергичный альбом. Ведущая роль здесь, разумеется, у гитары Munehiro Narita и баса Asahito Nanjo: 10-минутные запилы, плотные волны басового грува, импровизационные соло - в духе авангарда, а местами и вовсе тянет на утяжелённый фри-джаз. Стоит заметить, что High Rise редко продумывали композиции заранее, чаще всего это были импровизации. Однако даёт о себе знать бэкграунд гитариста, на чей стиль игры сильно повлияли в своё время Blue Cheer и Grand Funk Railroad. Вокал Asahito Nanjo появляется редко, но и когда звучит, тонет где-то за слоями гитарного звука, но и это звучит очень круто. Создаётся впечатление, что стоишь где-то в 80-ых в японском андеграундном клубе, где, как обычно, всё очень плохо со звуком - от гитары закладывает уши, а слова вокалиста разобрать невозможно. Да и кому по-хорошему нужно их разбирать?
В общем, не упустите один из интереснейших, по нашему мнению, японских психоделических и нойзовых рок-альбомов. Плотный звук, мощные соло и много импровизации.
Joan of Arc - How Memory Works
(1998, Jade Tree)
experimental rock / emo / post-rock
Вчера Joan of Arc опубликовали новый сингл с предстоящего альбома “1984”, а сегодня мы послушаем второй LP одной из самых экспериментальных эмо-групп - “How Memory Works”.
Чем в первую очередь известны Joan of Arc? Пожалуй, это три вещи. Во-первых, конечно, это группа, возникшая на руинах культовой Cap'n Jazz, а Тим Кинселла (Tim Kinsella) из Cap'n Jazz является единственным постоянном учстником Joan of Arc. Во-вторых, вполне возможно, что это самая странная и авангардная эмо-группа, которая когда-либо существовала. На протяжении своей дискографии они то приближались к пост-року в духе Tortoise, то больше склонялись к мат-року, то вообще к чему-то совсем авангардному типа Gastr del Sol. Плюс, конечно же, эксперименты с семплами, электроникой и многодорожечной записью. Ну и в-третьих, Joan of Arc известны тем, что очень нелюбимы критиками, которые нередко называют их музыку несвязной, нелепой и прочими эпитетами в этом духе.
Вообще, стоит сказать, что несвязность и запутанность действительно в какой-то мере присуща творчеству Joan of Arc. Только нам вот кажется, что это далеко не всегда плохо. Наоборот, зачастую это приводит к довольно забавным результатам. Так, например, третий альбом группы “Live in Chicago 1999” - на самом деле не лайв-альбом, а полноценный студийный. Название же здесь отсылает к факту, что группа выступала в Чикаго в 1999 году. А название альбома, который мы слушаем сегодня - “How Memory Works” - это продолжение названия первого их полноценного релиза - “A Portable Model of…” Портативная модель того, как работает память.
И, как нам кажется, спустя уже 20 лет после выхода “How Memory Works” остаётся наиболее впечатляющим произведением Тима Кинселла и очень интересным сплавом между мелодичным и приглушенным инди-роком с вкраплениями электроники и эффектов.
(1998, Jade Tree)
experimental rock / emo / post-rock
Вчера Joan of Arc опубликовали новый сингл с предстоящего альбома “1984”, а сегодня мы послушаем второй LP одной из самых экспериментальных эмо-групп - “How Memory Works”.
Чем в первую очередь известны Joan of Arc? Пожалуй, это три вещи. Во-первых, конечно, это группа, возникшая на руинах культовой Cap'n Jazz, а Тим Кинселла (Tim Kinsella) из Cap'n Jazz является единственным постоянном учстником Joan of Arc. Во-вторых, вполне возможно, что это самая странная и авангардная эмо-группа, которая когда-либо существовала. На протяжении своей дискографии они то приближались к пост-року в духе Tortoise, то больше склонялись к мат-року, то вообще к чему-то совсем авангардному типа Gastr del Sol. Плюс, конечно же, эксперименты с семплами, электроникой и многодорожечной записью. Ну и в-третьих, Joan of Arc известны тем, что очень нелюбимы критиками, которые нередко называют их музыку несвязной, нелепой и прочими эпитетами в этом духе.
Вообще, стоит сказать, что несвязность и запутанность действительно в какой-то мере присуща творчеству Joan of Arc. Только нам вот кажется, что это далеко не всегда плохо. Наоборот, зачастую это приводит к довольно забавным результатам. Так, например, третий альбом группы “Live in Chicago 1999” - на самом деле не лайв-альбом, а полноценный студийный. Название же здесь отсылает к факту, что группа выступала в Чикаго в 1999 году. А название альбома, который мы слушаем сегодня - “How Memory Works” - это продолжение названия первого их полноценного релиза - “A Portable Model of…” Портативная модель того, как работает память.
И, как нам кажется, спустя уже 20 лет после выхода “How Memory Works” остаётся наиболее впечатляющим произведением Тима Кинселла и очень интересным сплавом между мелодичным и приглушенным инди-роком с вкраплениями электроники и эффектов.
Cecil Percival Taylor (March 25, 1929 – April 5, 2018):
"Fly! Fly! Fly! Fly! Fly!" [1980, LIVE ALBUM]
free jazz / piano
"Fly! Fly! Fly! Fly! Fly!" [1980, LIVE ALBUM]
free jazz / piano
Sandy Bull - Inventions
(1965, Vanguard Records)
folk / american primitivism
Слушаем второй альбом гитариста Сэнди Булла, представителя раннего американского примитивизма. По мнению Пьеро Скаруффи, это один из самых недооценённых музыкантов всех времён.
Сэнди Булл - гитарист, предвосхитивший появление и дальнейшее развитие психоделического фолка. В нём сочеталось множество самых разных музыкальных влияний: его мама, профессиональная арфистка, включала ему записи Рэя Чарльза, Хэнка Вильямса, Ледбелли и многих других. Он успел поучиться игре на банджо у Эрика Дарлинга (Erik Darling), а также в музыкальном колледже при Бостонском университете, который подарил ему скорее знакомство с выдающимися музыкантами того времени, чем какие-то академические достижения. Да и сам Булл предпочитал музицированию в стенах колледжа возможность играть в клубах вроде Gaslight, Folk City или The Bitter End, где он поддерживал начинающих музыкантов.
И несмотря на такой богатый опыт работы с другими музыкантами, на своих сольных альбомах и выступлениях Булл предпочитал играть один. Для этого он использовал метод наложения, и таким образом аккомпанировал себе сам. Единственным музыкантом, которого он привлёк для работы над вторым студийным альбомом «Inventions», был известный фри-джазовый барабанщик Билли Хиггинс (Billy Higgins). Сам Булл играл на акустической и электрогитаре, банджо, на басу и уде. О последнем инструменте стоит сказать отдельно. Сэнди всегда восхищался восточный музыкой и стремился привнести в свою игру арабские мотивы. Североафриканский одиннадцатиструнный уд давал ему такую возможность.
Вдохновленный, Булл перезаписал самую известную композицию "Blend" с первого альбома, теперь она зазвучала более аутентично. На этом альбоме нет ни одной композиции, которая не отсылала бы к другому великому музыканту: акустическая и электрическая вариация "Gavotte No. 2" Баха, «Manha De Karnival» композитора Луиса Бонфы (Luiz Bonfa), "Triple Ballade" – аранжировка произведения известного французского композитора XIV века Гийома де Машо, а завершает пластинку "Memphis, Tennessee" Чака Берри.
(1965, Vanguard Records)
folk / american primitivism
Слушаем второй альбом гитариста Сэнди Булла, представителя раннего американского примитивизма. По мнению Пьеро Скаруффи, это один из самых недооценённых музыкантов всех времён.
Сэнди Булл - гитарист, предвосхитивший появление и дальнейшее развитие психоделического фолка. В нём сочеталось множество самых разных музыкальных влияний: его мама, профессиональная арфистка, включала ему записи Рэя Чарльза, Хэнка Вильямса, Ледбелли и многих других. Он успел поучиться игре на банджо у Эрика Дарлинга (Erik Darling), а также в музыкальном колледже при Бостонском университете, который подарил ему скорее знакомство с выдающимися музыкантами того времени, чем какие-то академические достижения. Да и сам Булл предпочитал музицированию в стенах колледжа возможность играть в клубах вроде Gaslight, Folk City или The Bitter End, где он поддерживал начинающих музыкантов.
И несмотря на такой богатый опыт работы с другими музыкантами, на своих сольных альбомах и выступлениях Булл предпочитал играть один. Для этого он использовал метод наложения, и таким образом аккомпанировал себе сам. Единственным музыкантом, которого он привлёк для работы над вторым студийным альбомом «Inventions», был известный фри-джазовый барабанщик Билли Хиггинс (Billy Higgins). Сам Булл играл на акустической и электрогитаре, банджо, на басу и уде. О последнем инструменте стоит сказать отдельно. Сэнди всегда восхищался восточный музыкой и стремился привнести в свою игру арабские мотивы. Североафриканский одиннадцатиструнный уд давал ему такую возможность.
Вдохновленный, Булл перезаписал самую известную композицию "Blend" с первого альбома, теперь она зазвучала более аутентично. На этом альбоме нет ни одной композиции, которая не отсылала бы к другому великому музыканту: акустическая и электрическая вариация "Gavotte No. 2" Баха, «Manha De Karnival» композитора Луиса Бонфы (Luiz Bonfa), "Triple Ballade" – аранжировка произведения известного французского композитора XIV века Гийома де Машо, а завершает пластинку "Memphis, Tennessee" Чака Берри.
Nude On Sand – Nude On Sand
(2012, Sofa)
avant-folk / free folk / improvisation
Совместный альбом исполнительницы и композитора Йенню Валь и мультиинструменталиста Ховарда Волдена. В большей степени импровизационный релиз, который Валь назвала "инстинктивным блюзом".
В начале марта у Йенню Валь и гитариста из её лайв-группы Ховарда Волдена (Håvard Volden) вышел EP "Feeling" под псевдонимом Lost Girls. Коллаборация получилась очень интересная и, разумеется, привлекла внимание зарубежных музыкальных медиа типа Pitchfork и Factmag. Но не все знают, что и до выхода "Feeling" Валь и Волден работали вместе. В 2012 году они выпустили пластинку в рамках совместного проекта Nude on Sand.
Группа Nude on Sand возникла как результат нескольких лайвов, на которых Валь выступала вместе с Волденом. Волден прежде много занимался свободной импровизацией, и поэтому музыканты решили написать для этих лайвов новый материал, основанный преимущественно на импровизации. Формат акустического гитарного дуэта позволял это сделать. Отличительной чертой этого проекта для Валь стало то, что всю музыку они написали именно совместно с Волденом.
Это довольго мягкий, но завораживающий и одновременно с этим интеллектуальный, в духе всех проектов Валь, альбом. Музыкальное сопровождение Фолдена, кажется, следует и послушно подстраивается под неровный вокал Валь, которая то шепчет, то кричит, то сладко напевает что-то в фолковом духе, то переходит на споукен-ворд. Гитара тоже звучит неровно: то переливом блюзовых гармоний, то совсем стихает, то жутковато скрипит. На этом альбоме нет электроники, а всё звучание в целом как будто разорванное, фрагментарное, но при этом не минималистичное. Благодаря такому звучанию на первый план выходит вокал Валь и её наивно-абсурдная лирика, вокруг которой выстраивается весь альбом.
(2012, Sofa)
avant-folk / free folk / improvisation
Совместный альбом исполнительницы и композитора Йенню Валь и мультиинструменталиста Ховарда Волдена. В большей степени импровизационный релиз, который Валь назвала "инстинктивным блюзом".
В начале марта у Йенню Валь и гитариста из её лайв-группы Ховарда Волдена (Håvard Volden) вышел EP "Feeling" под псевдонимом Lost Girls. Коллаборация получилась очень интересная и, разумеется, привлекла внимание зарубежных музыкальных медиа типа Pitchfork и Factmag. Но не все знают, что и до выхода "Feeling" Валь и Волден работали вместе. В 2012 году они выпустили пластинку в рамках совместного проекта Nude on Sand.
Группа Nude on Sand возникла как результат нескольких лайвов, на которых Валь выступала вместе с Волденом. Волден прежде много занимался свободной импровизацией, и поэтому музыканты решили написать для этих лайвов новый материал, основанный преимущественно на импровизации. Формат акустического гитарного дуэта позволял это сделать. Отличительной чертой этого проекта для Валь стало то, что всю музыку они написали именно совместно с Волденом.
Это довольго мягкий, но завораживающий и одновременно с этим интеллектуальный, в духе всех проектов Валь, альбом. Музыкальное сопровождение Фолдена, кажется, следует и послушно подстраивается под неровный вокал Валь, которая то шепчет, то кричит, то сладко напевает что-то в фолковом духе, то переходит на споукен-ворд. Гитара тоже звучит неровно: то переливом блюзовых гармоний, то совсем стихает, то жутковато скрипит. На этом альбоме нет электроники, а всё звучание в целом как будто разорванное, фрагментарное, но при этом не минималистичное. Благодаря такому звучанию на первый план выходит вокал Валь и её наивно-абсурдная лирика, вокруг которой выстраивается весь альбом.
Kevin Ayers - Shooting at the Moon
(1970, Harvest Records)
canterbury scene / experimental rock / psychedelic rock
Второй студийный альбом Кевина Эйерса, одного из ключевых (наряду с Сидом Барреттом) исполнителей английской психоделической сцены 60-х. Лёгкое по настроению сочетание мелодичности и авангарда.
Про Кевина Эйерса, одного из ключевых участников группы Soft Machine и представителя прог-роковой кентерберийской сцены, не стоит много рассказывать. За свою тридцатилетнюю сольную карьеру он сотрудничал с огромным количеством музыкантов, не нуждающихся в представлении, от упомянутого Сида Барретта и Брайана Ино до Энди Саммерса(The Police) и Nico. Для записи альбома "Shooting at the Moon" Эйерс собрал группу The Whole World. В её составе были молодой Майк Олдфилд (Mike Oldfield) на гитаре, Лол Коксхилл ( Lol Coxhill) на саксофоне и композитор и пианист Дэвид Бедфорд (David Bedford), взявший на себя также орган и аккордеон, и Мик Финчер (Mick Fincher) за ударными. Посмотрев на эти имена, можно сказать, что The Whole World в своём роде британская супергруппа, в ретроспективном смысле.
"Shooting at the Moon" - единственный вышедший у The Whole World альбом, группа распалась через год после своего образования, что добавляет этому альбому ценности. Вся экспериментальная составляющая "Shooting at the Moon" благодаря лирике и личному отношению Кевина Эйерса к музыке вообще воспринимается скорее как каприз и игра. Альбом, лёгкий по настроению, немного безумный, художественный. Наиболее интересно здесь, пожалуй, сочетание мелодичных, в хорошем смысле поп-мотивов Эйерса и соседствующие с ними сумасшедшие эксперименты, композиции в традиции раннего авангардного фьюжна (вроде восьмиминутной "Pisser Dans un Violon" или заглавный "Shooting at the Moon"). Альбом также интересен своими приглашенными музыкантами: на "The Oyster And The Flying Fish" можно услышать вокал довольно известной британской фолк-исполнительницы Бриджет Джон (Bridget St. John), а на "Colores Para Delores" - вокал основателя Soft Machine Роберта Уайатта.
В отличии от большинства других похожих прог-рок групп, Kevin Ayers and The Whole World удачно балансируют на грани максималистских стремлений всех музыкантов. "Shooting at the Moon" можно считать одним из лучших альбомов с участием Кевина Эйерса, необычный, цепляющий и при этом разнообразный.
(1970, Harvest Records)
canterbury scene / experimental rock / psychedelic rock
Второй студийный альбом Кевина Эйерса, одного из ключевых (наряду с Сидом Барреттом) исполнителей английской психоделической сцены 60-х. Лёгкое по настроению сочетание мелодичности и авангарда.
Про Кевина Эйерса, одного из ключевых участников группы Soft Machine и представителя прог-роковой кентерберийской сцены, не стоит много рассказывать. За свою тридцатилетнюю сольную карьеру он сотрудничал с огромным количеством музыкантов, не нуждающихся в представлении, от упомянутого Сида Барретта и Брайана Ино до Энди Саммерса(The Police) и Nico. Для записи альбома "Shooting at the Moon" Эйерс собрал группу The Whole World. В её составе были молодой Майк Олдфилд (Mike Oldfield) на гитаре, Лол Коксхилл ( Lol Coxhill) на саксофоне и композитор и пианист Дэвид Бедфорд (David Bedford), взявший на себя также орган и аккордеон, и Мик Финчер (Mick Fincher) за ударными. Посмотрев на эти имена, можно сказать, что The Whole World в своём роде британская супергруппа, в ретроспективном смысле.
"Shooting at the Moon" - единственный вышедший у The Whole World альбом, группа распалась через год после своего образования, что добавляет этому альбому ценности. Вся экспериментальная составляющая "Shooting at the Moon" благодаря лирике и личному отношению Кевина Эйерса к музыке вообще воспринимается скорее как каприз и игра. Альбом, лёгкий по настроению, немного безумный, художественный. Наиболее интересно здесь, пожалуй, сочетание мелодичных, в хорошем смысле поп-мотивов Эйерса и соседствующие с ними сумасшедшие эксперименты, композиции в традиции раннего авангардного фьюжна (вроде восьмиминутной "Pisser Dans un Violon" или заглавный "Shooting at the Moon"). Альбом также интересен своими приглашенными музыкантами: на "The Oyster And The Flying Fish" можно услышать вокал довольно известной британской фолк-исполнительницы Бриджет Джон (Bridget St. John), а на "Colores Para Delores" - вокал основателя Soft Machine Роберта Уайатта.
В отличии от большинства других похожих прог-рок групп, Kevin Ayers and The Whole World удачно балансируют на грани максималистских стремлений всех музыкантов. "Shooting at the Moon" можно считать одним из лучших альбомов с участием Кевина Эйерса, необычный, цепляющий и при этом разнообразный.
Kemialliset Ystävät - SIIPI EMPII
(2018, Leaving Records)
experimental electronic / psychedelic / musique concrète
Сегодня послушаем вышедший этой весной 16-й альбом проекта Kemialliset Ystävät, что переводится как “химические друзья”. Интересно, что на этот раз они приготовили своим слушателям?
Наконец услышать что-то новое от финского медиа-кудесника Яна Андерсена (Jan Anderzénin) - это настоящее меломанское удовольствие. В настоящий момент (впрочем, как и всегда) список сотрудников Андерсена по его проекту продолжает меняться. Но, как нам кажется, более важно то, что сам Андерсен всё больше развивается как музыкант или скорее даже художник. А его музыка сохраняет при этом освежающее ощущение игривости, так как он проверяет на прочность устоявшиеся границы того, что именно должно быть в музыке.
Почти полностью электронный, альбом "Siipi Empii" - что приблизительно переводится как "Крыло колеблется" - демонстрирует удивительные микро-мелодии и странным образом очаровывающие звуки. Такие как, например, звуки прыгающих пружин, журчние, щебетанине, лишённые эмоций голоса и другие псевдо-натуралистические музыкальные "заклинания". По словам самого Андерсена, его “метод приводит к созданию наполовину случайных, наполовину направленных звуковых событий, в которых независимые элементы переплетаются с непредсказуемой музыкой” (цитата взята из пресс-релиза на bandcamp’e).
Пожалуй, каждое прослушивание этого альбома похоже на вспышку, прокладывающую странный извилистый путь через ночной небосвод, уходя в бездну небес. Да, такой опыт прослушивания, может предоставить именно Kemialliset Ystävät с творческим запалом Яна Андерсена.
(2018, Leaving Records)
experimental electronic / psychedelic / musique concrète
Сегодня послушаем вышедший этой весной 16-й альбом проекта Kemialliset Ystävät, что переводится как “химические друзья”. Интересно, что на этот раз они приготовили своим слушателям?
Наконец услышать что-то новое от финского медиа-кудесника Яна Андерсена (Jan Anderzénin) - это настоящее меломанское удовольствие. В настоящий момент (впрочем, как и всегда) список сотрудников Андерсена по его проекту продолжает меняться. Но, как нам кажется, более важно то, что сам Андерсен всё больше развивается как музыкант или скорее даже художник. А его музыка сохраняет при этом освежающее ощущение игривости, так как он проверяет на прочность устоявшиеся границы того, что именно должно быть в музыке.
Почти полностью электронный, альбом "Siipi Empii" - что приблизительно переводится как "Крыло колеблется" - демонстрирует удивительные микро-мелодии и странным образом очаровывающие звуки. Такие как, например, звуки прыгающих пружин, журчние, щебетанине, лишённые эмоций голоса и другие псевдо-натуралистические музыкальные "заклинания". По словам самого Андерсена, его “метод приводит к созданию наполовину случайных, наполовину направленных звуковых событий, в которых независимые элементы переплетаются с непредсказуемой музыкой” (цитата взята из пресс-релиза на bandcamp’e).
Пожалуй, каждое прослушивание этого альбома похоже на вспышку, прокладывающую странный извилистый путь через ночной небосвод, уходя в бездну небес. Да, такой опыт прослушивания, может предоставить именно Kemialliset Ystävät с творческим запалом Яна Андерсена.