Giles Corey - Giles Corey
(2011, Enemies List Home Recordings)
industrial folk / dark folk
Одноименный дебютный альбом Giles Corey, на котором пугающий дарк-фолк звучит как филд-рекординг из другого измерения. "Акустическая музыка индустриальной революции".
Giles Corey - сайд-проект Дэна Барретта (Dan Barrett), известного по его основной группе Have a Nice Life. В этой группе музыканты играют в широком жанровом спектре - от пост-панка до нойза и дроуна. Мрачный сайд-проект назван в память одной из жертв инквизиции во время гонения на ведьм в городе Сейлем в 1692 году, чем уже намекает на тревожное и мрачное содержание одноименного альбома.
"Giles Corey" - это не только музыка, в дополнение к альбому Барретт выпустил одноименную книгу из 150 страниц, которая, как заявил музыкант, для этой записи важна не меньше, чем музыка. Эту книгу музыкант писал 4 года, и в ней личные эпизоды о борьбе с депрессией, суициде и чувстве потерянности вплетаются в канву истории лидера секты, теоретикв загробной жизни Роберте Вуре. Музыкант называл этот альбом самой личной и жёсткой своей записью не только Giles Corey, но и во всем своем творчестве.
Это очень чувствуется и по музыке, и по лирике. Вообще перед этим альбомом впору ставить дисклеймер: его депрессивность и упрямая мрачность подавляют. Однако, если абстрагироваться от атмосферы, и погрузиться в музыку, его разноплановость вряд ли оставит равнодушным. Здесь и мягкие фортепианные пассажи, и глубокий орган, и жуткие записи с феноменом электронного голоса (это когда на аудиозаписях появляются шумы, напоминающие человеческий голос)* и акустическая гитара, много акустической гитары с эмоциональным вокалом Барретта.
(2011, Enemies List Home Recordings)
industrial folk / dark folk
Одноименный дебютный альбом Giles Corey, на котором пугающий дарк-фолк звучит как филд-рекординг из другого измерения. "Акустическая музыка индустриальной революции".
Giles Corey - сайд-проект Дэна Барретта (Dan Barrett), известного по его основной группе Have a Nice Life. В этой группе музыканты играют в широком жанровом спектре - от пост-панка до нойза и дроуна. Мрачный сайд-проект назван в память одной из жертв инквизиции во время гонения на ведьм в городе Сейлем в 1692 году, чем уже намекает на тревожное и мрачное содержание одноименного альбома.
"Giles Corey" - это не только музыка, в дополнение к альбому Барретт выпустил одноименную книгу из 150 страниц, которая, как заявил музыкант, для этой записи важна не меньше, чем музыка. Эту книгу музыкант писал 4 года, и в ней личные эпизоды о борьбе с депрессией, суициде и чувстве потерянности вплетаются в канву истории лидера секты, теоретикв загробной жизни Роберте Вуре. Музыкант называл этот альбом самой личной и жёсткой своей записью не только Giles Corey, но и во всем своем творчестве.
Это очень чувствуется и по музыке, и по лирике. Вообще перед этим альбомом впору ставить дисклеймер: его депрессивность и упрямая мрачность подавляют. Однако, если абстрагироваться от атмосферы, и погрузиться в музыку, его разноплановость вряд ли оставит равнодушным. Здесь и мягкие фортепианные пассажи, и глубокий орган, и жуткие записи с феноменом электронного голоса (это когда на аудиозаписях появляются шумы, напоминающие человеческий голос)* и акустическая гитара, много акустической гитары с эмоциональным вокалом Барретта.
Уходим в небольшой отпуск до начала лета )
Не теряйте нас - в июне обязательно вернёмся с обзорами и подборками!
Не теряйте нас - в июне обязательно вернёмся с обзорами и подборками!
Carla Bozulich - Boy
(2014, Constellation)
singer-songwriter / experimental rock / female vocals
В мае у Карлы Бозулич вышел новый сольный альбом, а мы тем временем переслушиваем предыдущий, который известная по своим авангардным проектам Бозулич назвала "поп-альбомом".
Карлу Болзулич (Carla Bozulich) называют иконой андеграунда и героиней арт-панк сцены. Она начала заниматься музыкой еще в начале 80-х, стартовав в 15 лет в пост-панк группе Neon Veins. За эти годы она играла в нескольких группах, причем самых разных по направлению. Среди них индастриал-группа Ethyl Meatplow; пожалуй, наиболее известная среди её проектов альт-кантри группа The Geraldine Fibbers; экспериментальный импровизационный дуэт с Нельсом Клайном - Scarnella; экспериментальная группа Evangelista. Помимо этих проектов Карла участвовала серии перфомансов под общим названием Eyes for Ears*, а также записывала совместные альбомы с Xiu Xiu, Лидией Ланч и многими другими. Выпускать альбомы под своим именем Карла начала в 2003, тогда вышел альбом "Red Headed Stranger" - переосмысление известной кантри-пластинки Вилли Нельсона, который, кстати, сам тоже поучаствовал в записи этой амбициозной кавер-версии.
"Boy" Карла назвала своим "поп-альбомом", и можно понять почему. Однако, если вы еще не слышали альбом, не делайте поспешных выводов по этому определению. В контексте того, что Карла делала на своих предыдущих проектах это, определенно, поп-альбом, гораздо более структурированный, с вокалом, который держится в пограничном между пением и спокен-вордом состоянии, да и в целом альбом более мелодичный и мягкий (если, конечно, не вслушиваться в лирику, которая часто звучит пугающе: возьмите хотя бы первую строку, которую вы слышите на альбоме - "there ain't no grave that can hold down" или монолог убийцы, который уговаривает себя перестать убивать на треке "Gonna Stop Killing"). При этом звучание разрозненное и нестабильное, то вокал Карлы звучит на фоне густого, тяжелого баса или глухого, отрывистого звука барабанов, то вдруг все элементы вдруг сливаются в клаустрофобический шум.
На альбоме чувствуется влияние кантри и блюза, которые стали основой этой очень специфической мрачной и пугающей интерпретации поп-музыки. Очень неожиданный, поэтичный и сильный альбом, однозначно советуем всем, кто пропустил его.
*http://carlabozulich.com/eyes4ears/
(2014, Constellation)
singer-songwriter / experimental rock / female vocals
В мае у Карлы Бозулич вышел новый сольный альбом, а мы тем временем переслушиваем предыдущий, который известная по своим авангардным проектам Бозулич назвала "поп-альбомом".
Карлу Болзулич (Carla Bozulich) называют иконой андеграунда и героиней арт-панк сцены. Она начала заниматься музыкой еще в начале 80-х, стартовав в 15 лет в пост-панк группе Neon Veins. За эти годы она играла в нескольких группах, причем самых разных по направлению. Среди них индастриал-группа Ethyl Meatplow; пожалуй, наиболее известная среди её проектов альт-кантри группа The Geraldine Fibbers; экспериментальный импровизационный дуэт с Нельсом Клайном - Scarnella; экспериментальная группа Evangelista. Помимо этих проектов Карла участвовала серии перфомансов под общим названием Eyes for Ears*, а также записывала совместные альбомы с Xiu Xiu, Лидией Ланч и многими другими. Выпускать альбомы под своим именем Карла начала в 2003, тогда вышел альбом "Red Headed Stranger" - переосмысление известной кантри-пластинки Вилли Нельсона, который, кстати, сам тоже поучаствовал в записи этой амбициозной кавер-версии.
"Boy" Карла назвала своим "поп-альбомом", и можно понять почему. Однако, если вы еще не слышали альбом, не делайте поспешных выводов по этому определению. В контексте того, что Карла делала на своих предыдущих проектах это, определенно, поп-альбом, гораздо более структурированный, с вокалом, который держится в пограничном между пением и спокен-вордом состоянии, да и в целом альбом более мелодичный и мягкий (если, конечно, не вслушиваться в лирику, которая часто звучит пугающе: возьмите хотя бы первую строку, которую вы слышите на альбоме - "there ain't no grave that can hold down" или монолог убийцы, который уговаривает себя перестать убивать на треке "Gonna Stop Killing"). При этом звучание разрозненное и нестабильное, то вокал Карлы звучит на фоне густого, тяжелого баса или глухого, отрывистого звука барабанов, то вдруг все элементы вдруг сливаются в клаустрофобический шум.
На альбоме чувствуется влияние кантри и блюза, которые стали основой этой очень специфической мрачной и пугающей интерпретации поп-музыки. Очень неожиданный, поэтичный и сильный альбом, однозначно советуем всем, кто пропустил его.
*http://carlabozulich.com/eyes4ears/
Lionel Marchetti - Une Saison
(2011, Monotype Records)
musique concrète / field recordings / electroacoustic
Сегодня слушаем французского композитора Лионеля Маршетти, а именно его компиляцию “Une Saison”, в которую были собраны четыре его произведения, созданные в промежутке между 1993-м и 2000-м годами.
Будучи самоучкой, Лионель Маршетти впервые открыл для себя конкретную музыку благодаря композитору Ксавье Гарсиа (Xavier Garcia). Лионель 13 лет, начиная с 1989 года, работал над музыкой в Лионском университете. Кроме того, он построил собственную студию, а с 1993 года начал работать над музыкой в исследовательском центре Groupe de Recherches Musicales в Париже. Помимо этого, он занимается поэзией и развивает теоретические рассуждения о конкретной музыке и “искусстве громкоговорителя”.
Лионель особенно любит использовать в своём творчестве микрофоны и громкоговорители. Он активно их использует во всех композициях компиляции, которые содержат также много полевых записей и, в случае с 'La Grande Vallee' ещё и другие источники звука (например, кларнет и голоса). А в случае с 'L'oeil retourne' к основной звуковой палитре добавляется аналоговый синтезатор. В работах Лионеля иногда используются конкретные полевые записи, сделанные, например, во время поездки по горам ('Portrait d'un glacier') или во время состязания французской команды по Кэндо ('Dans la montagne (Ki Ken Tai)'). Он объединяет эти звуковые ингредиенты в единые звуковые нарративы конкретной музыки.
Звуковое путешествие как по горам, так и по опасным ледникам, а также по полям южной Франции или же школам боевого искусства Кэндо - всё это исполнено с большой элегантностью и усердием. Тонкие сочетания звуков, движения, текстур и пространств. Лионель Маршетти на "Une Saison" действительно рассказывает историю, а не просто документирует окружающий его мир. Человеческая деятельность, в частности музыкальное творчество, так же важна, как естественное звучание природы.
(2011, Monotype Records)
musique concrète / field recordings / electroacoustic
Сегодня слушаем французского композитора Лионеля Маршетти, а именно его компиляцию “Une Saison”, в которую были собраны четыре его произведения, созданные в промежутке между 1993-м и 2000-м годами.
Будучи самоучкой, Лионель Маршетти впервые открыл для себя конкретную музыку благодаря композитору Ксавье Гарсиа (Xavier Garcia). Лионель 13 лет, начиная с 1989 года, работал над музыкой в Лионском университете. Кроме того, он построил собственную студию, а с 1993 года начал работать над музыкой в исследовательском центре Groupe de Recherches Musicales в Париже. Помимо этого, он занимается поэзией и развивает теоретические рассуждения о конкретной музыке и “искусстве громкоговорителя”.
Лионель особенно любит использовать в своём творчестве микрофоны и громкоговорители. Он активно их использует во всех композициях компиляции, которые содержат также много полевых записей и, в случае с 'La Grande Vallee' ещё и другие источники звука (например, кларнет и голоса). А в случае с 'L'oeil retourne' к основной звуковой палитре добавляется аналоговый синтезатор. В работах Лионеля иногда используются конкретные полевые записи, сделанные, например, во время поездки по горам ('Portrait d'un glacier') или во время состязания французской команды по Кэндо ('Dans la montagne (Ki Ken Tai)'). Он объединяет эти звуковые ингредиенты в единые звуковые нарративы конкретной музыки.
Звуковое путешествие как по горам, так и по опасным ледникам, а также по полям южной Франции или же школам боевого искусства Кэндо - всё это исполнено с большой элегантностью и усердием. Тонкие сочетания звуков, движения, текстур и пространств. Лионель Маршетти на "Une Saison" действительно рассказывает историю, а не просто документирует окружающий его мир. Человеческая деятельность, в частности музыкальное творчество, так же важна, как естественное звучание природы.
Harvester - Hemåt
(1969, Decibel)
prog rock / psychedelic rock / folk
Мы уже как-то слушали дебютный альбом Harvester. Продолжаем погружение в дискографию одной из интереснейших шведских прог- и психоделических групп.
"Hemåt" вышел спустя год после дебютного альбома группы. Состав с того времени не претерпел практически никаких изменений: Bo Anders Persson (гитара), Thomas Tidholm (вокал, саксофон, флейта), Arne Ericsson (виолончель), Urban Yman (скрипка), Torbjörn Abelli (бас) and Thomas Mera Gartz (ударные), присоединились только Kjell Westling (скрипка) и Ulla (кимвалы). Harvester выдумали для своей музыки собственный жанр - "лесной рок" ("skogsrock"). Возможно, ощущая недостаток в существовавших в 60-е определениях, чтобы описать музыку, которую они тогда играли, во многом находившуюся под влиянием Терри Райли, Хендрикса, Rolling Stones, но при этом в своих гипнотических джемах приближавшуюся к краутроку.
Название альбома переводится как "Домой". Он был записан в "Kafe Marx", небольшом заведении, принадлежавшем Коммунистической партии Швеции. Harvester добавляют на этот альбом больше шведского фолка, но в целом звучание их музыки не сильно меняется в сравнении с дебютным альбомом. Здесь осталась и монотонная психоделия в духе International Harvester, и патетический прог-рок. То же растянутое, гипнотическое звучание с размеренной ритуальной перкуссией, семиминутные джемовые композиции с глухим вокалом, иногда больше напоминающим перекрикивающихся в чаще леса людей (Kristallen den fina). Всё это от трека к треку всё больше погружают в транс. Однако потом внезапно звучит чисто фольклорная, танцевальная "Kuk-polska", которая мгновенно выводит из транса любого, кто успел в него впасть. В большей степени альбом звучит как один 40-минутный джем: иногда появляется чувство потерянности - кажется, что слушаешь один трек уже очень и очень долго.
В ревью на дебют группы "Sov gott Rose-Marie" мы писали, что его концепт сводится к тоске по утраченной аграрной культуре. Здесь, кажется, музыканты лично для себя обретают её заново - умиротворенный пасторальный арт обложки, обилие фольклорных мотивов и пробивающийся на большинстве треков первобытный дух возвращают слушателя к давно утраченным корням.
Альбом слушаем в версии переиздания 2001 года на лейбле Silence.
(1969, Decibel)
prog rock / psychedelic rock / folk
Мы уже как-то слушали дебютный альбом Harvester. Продолжаем погружение в дискографию одной из интереснейших шведских прог- и психоделических групп.
"Hemåt" вышел спустя год после дебютного альбома группы. Состав с того времени не претерпел практически никаких изменений: Bo Anders Persson (гитара), Thomas Tidholm (вокал, саксофон, флейта), Arne Ericsson (виолончель), Urban Yman (скрипка), Torbjörn Abelli (бас) and Thomas Mera Gartz (ударные), присоединились только Kjell Westling (скрипка) и Ulla (кимвалы). Harvester выдумали для своей музыки собственный жанр - "лесной рок" ("skogsrock"). Возможно, ощущая недостаток в существовавших в 60-е определениях, чтобы описать музыку, которую они тогда играли, во многом находившуюся под влиянием Терри Райли, Хендрикса, Rolling Stones, но при этом в своих гипнотических джемах приближавшуюся к краутроку.
Название альбома переводится как "Домой". Он был записан в "Kafe Marx", небольшом заведении, принадлежавшем Коммунистической партии Швеции. Harvester добавляют на этот альбом больше шведского фолка, но в целом звучание их музыки не сильно меняется в сравнении с дебютным альбомом. Здесь осталась и монотонная психоделия в духе International Harvester, и патетический прог-рок. То же растянутое, гипнотическое звучание с размеренной ритуальной перкуссией, семиминутные джемовые композиции с глухим вокалом, иногда больше напоминающим перекрикивающихся в чаще леса людей (Kristallen den fina). Всё это от трека к треку всё больше погружают в транс. Однако потом внезапно звучит чисто фольклорная, танцевальная "Kuk-polska", которая мгновенно выводит из транса любого, кто успел в него впасть. В большей степени альбом звучит как один 40-минутный джем: иногда появляется чувство потерянности - кажется, что слушаешь один трек уже очень и очень долго.
В ревью на дебют группы "Sov gott Rose-Marie" мы писали, что его концепт сводится к тоске по утраченной аграрной культуре. Здесь, кажется, музыканты лично для себя обретают её заново - умиротворенный пасторальный арт обложки, обилие фольклорных мотивов и пробивающийся на большинстве треков первобытный дух возвращают слушателя к давно утраченным корням.
Альбом слушаем в версии переиздания 2001 года на лейбле Silence.
Mind Over Mirrors - When The Rest Are Up At Four
(2013, Immune Recordings)
drone ambient / electronic / psychedelic
Четвёртый альбом Mind Over Mirrors, дроун и эмбиент проекта Джейми Феннели, где фисгармония и электроника создают эмоциональные и разнообразные звуковые ландшафты.
Пока все слушают уже шестой альбом MOM, вышедший в апреле этогогода "Bellowing Sun", мы, как обычно, решили переслушать что-то из старого. Mind Over Mirrors - электронный проект музыканта Джейми Феннелли (Jaime Fennelly), который может быть кому-то известен по нойз-рок группе Peeesseye. Однако, говоря о Mind Over Mirrors, нойзовый бэкграунд Джейми можно упомянуть разве что по принципу "от противного". Настолько Mind Over Mirrors звучит медитативно и спокойно. Музыка MOM строится из сочетания индийской фисгармонии, электронных эффектов, осцилляторов, синтезаторного звука и большого количества дилэя.
Релиз "When The Rest Are Up At Four" на данный момент, пожалуй, самый целостный и интересный у MOM. Помимо самого Феннелли в записи альбома приняли участие Matt Christensen (гитара на треке "The Fence") и Scott Tuma (орган и гитара на треке "Innumerable Step"). Большую часть альбома Феннелли записал в своем бунгало в Чикаго. Звучание "When The Rest Are Up At Four" сравнивают с минималистичными опытами Терри Райли, импровизациями Георгия Гурджиева и загадочными саундтреками Эдуарда Артемьева к фильмам Тарковского. И эти сравнения совсем не беспочвенны. При прослушивании альбома сознание рисует картины пустынных, одиноких и вместе с тем прекрасных мест - песчаные и арктические пустыни, кратеры Луны, обступающие на десятки километров вокруг, необъятное пространство океана, где массивные волны накрывают одна другую. Да и если один раз уже вспомнились кадры из "Сталкера", их уже сложно перестать прокручивать в голове под альтернативный саундтрек "When The Rest Are Up At Four".
Если вы не слышали ни одного релиза MOM, "When The Rest Are Up At Four" - определённо тот альбом, с которого можно было бы начать знакомство с этим необычным проектом.
(2013, Immune Recordings)
drone ambient / electronic / psychedelic
Четвёртый альбом Mind Over Mirrors, дроун и эмбиент проекта Джейми Феннели, где фисгармония и электроника создают эмоциональные и разнообразные звуковые ландшафты.
Пока все слушают уже шестой альбом MOM, вышедший в апреле этогогода "Bellowing Sun", мы, как обычно, решили переслушать что-то из старого. Mind Over Mirrors - электронный проект музыканта Джейми Феннелли (Jaime Fennelly), который может быть кому-то известен по нойз-рок группе Peeesseye. Однако, говоря о Mind Over Mirrors, нойзовый бэкграунд Джейми можно упомянуть разве что по принципу "от противного". Настолько Mind Over Mirrors звучит медитативно и спокойно. Музыка MOM строится из сочетания индийской фисгармонии, электронных эффектов, осцилляторов, синтезаторного звука и большого количества дилэя.
Релиз "When The Rest Are Up At Four" на данный момент, пожалуй, самый целостный и интересный у MOM. Помимо самого Феннелли в записи альбома приняли участие Matt Christensen (гитара на треке "The Fence") и Scott Tuma (орган и гитара на треке "Innumerable Step"). Большую часть альбома Феннелли записал в своем бунгало в Чикаго. Звучание "When The Rest Are Up At Four" сравнивают с минималистичными опытами Терри Райли, импровизациями Георгия Гурджиева и загадочными саундтреками Эдуарда Артемьева к фильмам Тарковского. И эти сравнения совсем не беспочвенны. При прослушивании альбома сознание рисует картины пустынных, одиноких и вместе с тем прекрасных мест - песчаные и арктические пустыни, кратеры Луны, обступающие на десятки километров вокруг, необъятное пространство океана, где массивные волны накрывают одна другую. Да и если один раз уже вспомнились кадры из "Сталкера", их уже сложно перестать прокручивать в голове под альтернативный саундтрек "When The Rest Are Up At Four".
Если вы не слышали ни одного релиза MOM, "When The Rest Are Up At Four" - определённо тот альбом, с которого можно было бы начать знакомство с этим необычным проектом.
Sophia Loizou – Singulacra
(2016, Kathexis)
experimental electronic / dark ambient
Второй альбом загадочной британской электронщицы, прямиком из Бристоля передающий в музыке туманное ощущение растворения человеческой личности в эпоху технологий и ИИ.
Первый полноценный релиз Софии Луазу вышел в 2014 году на лейбле Astro:Dynamics, появившись будто бы из ниоткуда. Не имея до той поры ни одного трека за своей спиной, София этим дебютом отлично заявила себе в пространстве мрачной бристольской электронной музыки. Альбом “Chrysalis” представлял собой интересно поданный конфликт между природой и технологией, воплощённый во взаимодействии естественных и синтезированных звуков.
Спустя два года София сменила лейбл и, как нам кажется, предоставила слушателям ещё более убедительное музыкальное высказывание на схожую тематику. Альбом “Singulacra” бьёт сразу по двум фронтам. Во-первых, это, конечно атмосферность звучания. Холодные эмбиентные пассажи, аккуратно разбавленные отсылками к типично британской электронной музыке и ностальгией по рейв-культуре, вырисовывают в сознании картины опустевших под утро клубов и улиц, где уже нет людей, зато цифровые девайсы продолжают жить своей жизнью.
Во-вторых, музыка на “Singulacra” очень интересна именно с жанровой точки зрения. Альбом этот - эдакая бристольская вариация на тему дарк эмбиента. Разумеется, с отголосками джангла, плотным басом и внезапными сбивками, раздающимися словно на территории заброшенных индустриальных зданий, где когда-то могли греметь рейвы. В общем, прекрасный вариант того, какой мрачной и одновременно погружающей в себя может быть современная экспериментальная британская электроника в эпоху цифрового одиночества.
(2016, Kathexis)
experimental electronic / dark ambient
Второй альбом загадочной британской электронщицы, прямиком из Бристоля передающий в музыке туманное ощущение растворения человеческой личности в эпоху технологий и ИИ.
Первый полноценный релиз Софии Луазу вышел в 2014 году на лейбле Astro:Dynamics, появившись будто бы из ниоткуда. Не имея до той поры ни одного трека за своей спиной, София этим дебютом отлично заявила себе в пространстве мрачной бристольской электронной музыки. Альбом “Chrysalis” представлял собой интересно поданный конфликт между природой и технологией, воплощённый во взаимодействии естественных и синтезированных звуков.
Спустя два года София сменила лейбл и, как нам кажется, предоставила слушателям ещё более убедительное музыкальное высказывание на схожую тематику. Альбом “Singulacra” бьёт сразу по двум фронтам. Во-первых, это, конечно атмосферность звучания. Холодные эмбиентные пассажи, аккуратно разбавленные отсылками к типично британской электронной музыке и ностальгией по рейв-культуре, вырисовывают в сознании картины опустевших под утро клубов и улиц, где уже нет людей, зато цифровые девайсы продолжают жить своей жизнью.
Во-вторых, музыка на “Singulacra” очень интересна именно с жанровой точки зрения. Альбом этот - эдакая бристольская вариация на тему дарк эмбиента. Разумеется, с отголосками джангла, плотным басом и внезапными сбивками, раздающимися словно на территории заброшенных индустриальных зданий, где когда-то могли греметь рейвы. В общем, прекрасный вариант того, какой мрачной и одновременно погружающей в себя может быть современная экспериментальная британская электроника в эпоху цифрового одиночества.