Lionel Marchetti - Une Saison
(2011, Monotype Records)
musique concrète / field recordings / electroacoustic
Сегодня слушаем французского композитора Лионеля Маршетти, а именно его компиляцию “Une Saison”, в которую были собраны четыре его произведения, созданные в промежутке между 1993-м и 2000-м годами.
Будучи самоучкой, Лионель Маршетти впервые открыл для себя конкретную музыку благодаря композитору Ксавье Гарсиа (Xavier Garcia). Лионель 13 лет, начиная с 1989 года, работал над музыкой в Лионском университете. Кроме того, он построил собственную студию, а с 1993 года начал работать над музыкой в исследовательском центре Groupe de Recherches Musicales в Париже. Помимо этого, он занимается поэзией и развивает теоретические рассуждения о конкретной музыке и “искусстве громкоговорителя”.
Лионель особенно любит использовать в своём творчестве микрофоны и громкоговорители. Он активно их использует во всех композициях компиляции, которые содержат также много полевых записей и, в случае с 'La Grande Vallee' ещё и другие источники звука (например, кларнет и голоса). А в случае с 'L'oeil retourne' к основной звуковой палитре добавляется аналоговый синтезатор. В работах Лионеля иногда используются конкретные полевые записи, сделанные, например, во время поездки по горам ('Portrait d'un glacier') или во время состязания французской команды по Кэндо ('Dans la montagne (Ki Ken Tai)'). Он объединяет эти звуковые ингредиенты в единые звуковые нарративы конкретной музыки.
Звуковое путешествие как по горам, так и по опасным ледникам, а также по полям южной Франции или же школам боевого искусства Кэндо - всё это исполнено с большой элегантностью и усердием. Тонкие сочетания звуков, движения, текстур и пространств. Лионель Маршетти на "Une Saison" действительно рассказывает историю, а не просто документирует окружающий его мир. Человеческая деятельность, в частности музыкальное творчество, так же важна, как естественное звучание природы.
(2011, Monotype Records)
musique concrète / field recordings / electroacoustic
Сегодня слушаем французского композитора Лионеля Маршетти, а именно его компиляцию “Une Saison”, в которую были собраны четыре его произведения, созданные в промежутке между 1993-м и 2000-м годами.
Будучи самоучкой, Лионель Маршетти впервые открыл для себя конкретную музыку благодаря композитору Ксавье Гарсиа (Xavier Garcia). Лионель 13 лет, начиная с 1989 года, работал над музыкой в Лионском университете. Кроме того, он построил собственную студию, а с 1993 года начал работать над музыкой в исследовательском центре Groupe de Recherches Musicales в Париже. Помимо этого, он занимается поэзией и развивает теоретические рассуждения о конкретной музыке и “искусстве громкоговорителя”.
Лионель особенно любит использовать в своём творчестве микрофоны и громкоговорители. Он активно их использует во всех композициях компиляции, которые содержат также много полевых записей и, в случае с 'La Grande Vallee' ещё и другие источники звука (например, кларнет и голоса). А в случае с 'L'oeil retourne' к основной звуковой палитре добавляется аналоговый синтезатор. В работах Лионеля иногда используются конкретные полевые записи, сделанные, например, во время поездки по горам ('Portrait d'un glacier') или во время состязания французской команды по Кэндо ('Dans la montagne (Ki Ken Tai)'). Он объединяет эти звуковые ингредиенты в единые звуковые нарративы конкретной музыки.
Звуковое путешествие как по горам, так и по опасным ледникам, а также по полям южной Франции или же школам боевого искусства Кэндо - всё это исполнено с большой элегантностью и усердием. Тонкие сочетания звуков, движения, текстур и пространств. Лионель Маршетти на "Une Saison" действительно рассказывает историю, а не просто документирует окружающий его мир. Человеческая деятельность, в частности музыкальное творчество, так же важна, как естественное звучание природы.
Harvester - Hemåt
(1969, Decibel)
prog rock / psychedelic rock / folk
Мы уже как-то слушали дебютный альбом Harvester. Продолжаем погружение в дискографию одной из интереснейших шведских прог- и психоделических групп.
"Hemåt" вышел спустя год после дебютного альбома группы. Состав с того времени не претерпел практически никаких изменений: Bo Anders Persson (гитара), Thomas Tidholm (вокал, саксофон, флейта), Arne Ericsson (виолончель), Urban Yman (скрипка), Torbjörn Abelli (бас) and Thomas Mera Gartz (ударные), присоединились только Kjell Westling (скрипка) и Ulla (кимвалы). Harvester выдумали для своей музыки собственный жанр - "лесной рок" ("skogsrock"). Возможно, ощущая недостаток в существовавших в 60-е определениях, чтобы описать музыку, которую они тогда играли, во многом находившуюся под влиянием Терри Райли, Хендрикса, Rolling Stones, но при этом в своих гипнотических джемах приближавшуюся к краутроку.
Название альбома переводится как "Домой". Он был записан в "Kafe Marx", небольшом заведении, принадлежавшем Коммунистической партии Швеции. Harvester добавляют на этот альбом больше шведского фолка, но в целом звучание их музыки не сильно меняется в сравнении с дебютным альбомом. Здесь осталась и монотонная психоделия в духе International Harvester, и патетический прог-рок. То же растянутое, гипнотическое звучание с размеренной ритуальной перкуссией, семиминутные джемовые композиции с глухим вокалом, иногда больше напоминающим перекрикивающихся в чаще леса людей (Kristallen den fina). Всё это от трека к треку всё больше погружают в транс. Однако потом внезапно звучит чисто фольклорная, танцевальная "Kuk-polska", которая мгновенно выводит из транса любого, кто успел в него впасть. В большей степени альбом звучит как один 40-минутный джем: иногда появляется чувство потерянности - кажется, что слушаешь один трек уже очень и очень долго.
В ревью на дебют группы "Sov gott Rose-Marie" мы писали, что его концепт сводится к тоске по утраченной аграрной культуре. Здесь, кажется, музыканты лично для себя обретают её заново - умиротворенный пасторальный арт обложки, обилие фольклорных мотивов и пробивающийся на большинстве треков первобытный дух возвращают слушателя к давно утраченным корням.
Альбом слушаем в версии переиздания 2001 года на лейбле Silence.
(1969, Decibel)
prog rock / psychedelic rock / folk
Мы уже как-то слушали дебютный альбом Harvester. Продолжаем погружение в дискографию одной из интереснейших шведских прог- и психоделических групп.
"Hemåt" вышел спустя год после дебютного альбома группы. Состав с того времени не претерпел практически никаких изменений: Bo Anders Persson (гитара), Thomas Tidholm (вокал, саксофон, флейта), Arne Ericsson (виолончель), Urban Yman (скрипка), Torbjörn Abelli (бас) and Thomas Mera Gartz (ударные), присоединились только Kjell Westling (скрипка) и Ulla (кимвалы). Harvester выдумали для своей музыки собственный жанр - "лесной рок" ("skogsrock"). Возможно, ощущая недостаток в существовавших в 60-е определениях, чтобы описать музыку, которую они тогда играли, во многом находившуюся под влиянием Терри Райли, Хендрикса, Rolling Stones, но при этом в своих гипнотических джемах приближавшуюся к краутроку.
Название альбома переводится как "Домой". Он был записан в "Kafe Marx", небольшом заведении, принадлежавшем Коммунистической партии Швеции. Harvester добавляют на этот альбом больше шведского фолка, но в целом звучание их музыки не сильно меняется в сравнении с дебютным альбомом. Здесь осталась и монотонная психоделия в духе International Harvester, и патетический прог-рок. То же растянутое, гипнотическое звучание с размеренной ритуальной перкуссией, семиминутные джемовые композиции с глухим вокалом, иногда больше напоминающим перекрикивающихся в чаще леса людей (Kristallen den fina). Всё это от трека к треку всё больше погружают в транс. Однако потом внезапно звучит чисто фольклорная, танцевальная "Kuk-polska", которая мгновенно выводит из транса любого, кто успел в него впасть. В большей степени альбом звучит как один 40-минутный джем: иногда появляется чувство потерянности - кажется, что слушаешь один трек уже очень и очень долго.
В ревью на дебют группы "Sov gott Rose-Marie" мы писали, что его концепт сводится к тоске по утраченной аграрной культуре. Здесь, кажется, музыканты лично для себя обретают её заново - умиротворенный пасторальный арт обложки, обилие фольклорных мотивов и пробивающийся на большинстве треков первобытный дух возвращают слушателя к давно утраченным корням.
Альбом слушаем в версии переиздания 2001 года на лейбле Silence.
Mind Over Mirrors - When The Rest Are Up At Four
(2013, Immune Recordings)
drone ambient / electronic / psychedelic
Четвёртый альбом Mind Over Mirrors, дроун и эмбиент проекта Джейми Феннели, где фисгармония и электроника создают эмоциональные и разнообразные звуковые ландшафты.
Пока все слушают уже шестой альбом MOM, вышедший в апреле этогогода "Bellowing Sun", мы, как обычно, решили переслушать что-то из старого. Mind Over Mirrors - электронный проект музыканта Джейми Феннелли (Jaime Fennelly), который может быть кому-то известен по нойз-рок группе Peeesseye. Однако, говоря о Mind Over Mirrors, нойзовый бэкграунд Джейми можно упомянуть разве что по принципу "от противного". Настолько Mind Over Mirrors звучит медитативно и спокойно. Музыка MOM строится из сочетания индийской фисгармонии, электронных эффектов, осцилляторов, синтезаторного звука и большого количества дилэя.
Релиз "When The Rest Are Up At Four" на данный момент, пожалуй, самый целостный и интересный у MOM. Помимо самого Феннелли в записи альбома приняли участие Matt Christensen (гитара на треке "The Fence") и Scott Tuma (орган и гитара на треке "Innumerable Step"). Большую часть альбома Феннелли записал в своем бунгало в Чикаго. Звучание "When The Rest Are Up At Four" сравнивают с минималистичными опытами Терри Райли, импровизациями Георгия Гурджиева и загадочными саундтреками Эдуарда Артемьева к фильмам Тарковского. И эти сравнения совсем не беспочвенны. При прослушивании альбома сознание рисует картины пустынных, одиноких и вместе с тем прекрасных мест - песчаные и арктические пустыни, кратеры Луны, обступающие на десятки километров вокруг, необъятное пространство океана, где массивные волны накрывают одна другую. Да и если один раз уже вспомнились кадры из "Сталкера", их уже сложно перестать прокручивать в голове под альтернативный саундтрек "When The Rest Are Up At Four".
Если вы не слышали ни одного релиза MOM, "When The Rest Are Up At Four" - определённо тот альбом, с которого можно было бы начать знакомство с этим необычным проектом.
(2013, Immune Recordings)
drone ambient / electronic / psychedelic
Четвёртый альбом Mind Over Mirrors, дроун и эмбиент проекта Джейми Феннели, где фисгармония и электроника создают эмоциональные и разнообразные звуковые ландшафты.
Пока все слушают уже шестой альбом MOM, вышедший в апреле этогогода "Bellowing Sun", мы, как обычно, решили переслушать что-то из старого. Mind Over Mirrors - электронный проект музыканта Джейми Феннелли (Jaime Fennelly), который может быть кому-то известен по нойз-рок группе Peeesseye. Однако, говоря о Mind Over Mirrors, нойзовый бэкграунд Джейми можно упомянуть разве что по принципу "от противного". Настолько Mind Over Mirrors звучит медитативно и спокойно. Музыка MOM строится из сочетания индийской фисгармонии, электронных эффектов, осцилляторов, синтезаторного звука и большого количества дилэя.
Релиз "When The Rest Are Up At Four" на данный момент, пожалуй, самый целостный и интересный у MOM. Помимо самого Феннелли в записи альбома приняли участие Matt Christensen (гитара на треке "The Fence") и Scott Tuma (орган и гитара на треке "Innumerable Step"). Большую часть альбома Феннелли записал в своем бунгало в Чикаго. Звучание "When The Rest Are Up At Four" сравнивают с минималистичными опытами Терри Райли, импровизациями Георгия Гурджиева и загадочными саундтреками Эдуарда Артемьева к фильмам Тарковского. И эти сравнения совсем не беспочвенны. При прослушивании альбома сознание рисует картины пустынных, одиноких и вместе с тем прекрасных мест - песчаные и арктические пустыни, кратеры Луны, обступающие на десятки километров вокруг, необъятное пространство океана, где массивные волны накрывают одна другую. Да и если один раз уже вспомнились кадры из "Сталкера", их уже сложно перестать прокручивать в голове под альтернативный саундтрек "When The Rest Are Up At Four".
Если вы не слышали ни одного релиза MOM, "When The Rest Are Up At Four" - определённо тот альбом, с которого можно было бы начать знакомство с этим необычным проектом.
Sophia Loizou – Singulacra
(2016, Kathexis)
experimental electronic / dark ambient
Второй альбом загадочной британской электронщицы, прямиком из Бристоля передающий в музыке туманное ощущение растворения человеческой личности в эпоху технологий и ИИ.
Первый полноценный релиз Софии Луазу вышел в 2014 году на лейбле Astro:Dynamics, появившись будто бы из ниоткуда. Не имея до той поры ни одного трека за своей спиной, София этим дебютом отлично заявила себе в пространстве мрачной бристольской электронной музыки. Альбом “Chrysalis” представлял собой интересно поданный конфликт между природой и технологией, воплощённый во взаимодействии естественных и синтезированных звуков.
Спустя два года София сменила лейбл и, как нам кажется, предоставила слушателям ещё более убедительное музыкальное высказывание на схожую тематику. Альбом “Singulacra” бьёт сразу по двум фронтам. Во-первых, это, конечно атмосферность звучания. Холодные эмбиентные пассажи, аккуратно разбавленные отсылками к типично британской электронной музыке и ностальгией по рейв-культуре, вырисовывают в сознании картины опустевших под утро клубов и улиц, где уже нет людей, зато цифровые девайсы продолжают жить своей жизнью.
Во-вторых, музыка на “Singulacra” очень интересна именно с жанровой точки зрения. Альбом этот - эдакая бристольская вариация на тему дарк эмбиента. Разумеется, с отголосками джангла, плотным басом и внезапными сбивками, раздающимися словно на территории заброшенных индустриальных зданий, где когда-то могли греметь рейвы. В общем, прекрасный вариант того, какой мрачной и одновременно погружающей в себя может быть современная экспериментальная британская электроника в эпоху цифрового одиночества.
(2016, Kathexis)
experimental electronic / dark ambient
Второй альбом загадочной британской электронщицы, прямиком из Бристоля передающий в музыке туманное ощущение растворения человеческой личности в эпоху технологий и ИИ.
Первый полноценный релиз Софии Луазу вышел в 2014 году на лейбле Astro:Dynamics, появившись будто бы из ниоткуда. Не имея до той поры ни одного трека за своей спиной, София этим дебютом отлично заявила себе в пространстве мрачной бристольской электронной музыки. Альбом “Chrysalis” представлял собой интересно поданный конфликт между природой и технологией, воплощённый во взаимодействии естественных и синтезированных звуков.
Спустя два года София сменила лейбл и, как нам кажется, предоставила слушателям ещё более убедительное музыкальное высказывание на схожую тематику. Альбом “Singulacra” бьёт сразу по двум фронтам. Во-первых, это, конечно атмосферность звучания. Холодные эмбиентные пассажи, аккуратно разбавленные отсылками к типично британской электронной музыке и ностальгией по рейв-культуре, вырисовывают в сознании картины опустевших под утро клубов и улиц, где уже нет людей, зато цифровые девайсы продолжают жить своей жизнью.
Во-вторых, музыка на “Singulacra” очень интересна именно с жанровой точки зрения. Альбом этот - эдакая бристольская вариация на тему дарк эмбиента. Разумеется, с отголосками джангла, плотным басом и внезапными сбивками, раздающимися словно на территории заброшенных индустриальных зданий, где когда-то могли греметь рейвы. В общем, прекрасный вариант того, какой мрачной и одновременно погружающей в себя может быть современная экспериментальная британская электроника в эпоху цифрового одиночества.
Klein - сс
(2018, Self-released EP)
glitch / sound collage / experimental electronic
Недавно у Klein вышел новый EP "сс". Очень необычный релиз, который вернёт вас к подростковым переживаниям под сочетание звукового коллажа и экспериментальной электроники.
В отличие от предыдущих EP Klein на "сс" она отказалась от привычной для неё идеи писать альбомы от чьего-то лица (так, например, её EP 2016 года Lagata - это повествование от лица нигерийского правителя из художественного фильма). На третьем EP она напротив впускает слушателей в свой внутренний мир. Эта запись была сделана Klein о себе и для себя. "сс" - альбом о рождении, подростковом возрасте, жизни, взрослении, смерти, со всеми эмоциональными перепадами и только пробуждающимися чувствами на заре юношества.
Со стороны звука это нетривиальный релиз. Это и экспериментальная электронная музыка, и саунд-коллаж, и кое-где глитч. На одном из наиболее жутких и цепляющих треков EP "Apologise" Klein использует семпл из культового фильма The Blair Witch Project, а именно тот момент, когда главная героиня записывает монолог-извинение. А на треке "collect", который открывает альбом вы услышите голос американской художницы и поэтессы Даймонд Стингили (Diamond Stingily), которая рассказывает воспоминания из своего детства и мечты о том, что на Небесах будет мороженое без молока под постоянно прерывающиеся электронные мотивы Klein. Несмотря на обилие электроники и искрящихся глитчевых звуков, которые делают этот релиз таким экспериментальным, Klein удаётся сделать его ещё и очень человеческим и трогающим.
"сс" - это не то произведение, которое можно понять и прочувствовать после одного прослушивания. Оно многослойное, с таким количеством смыслов, которые лежат глубоко под поверхностью, что с каждым новым прослушиванием этот EP открывается для слушателя с новой стороны.
(2018, Self-released EP)
glitch / sound collage / experimental electronic
Недавно у Klein вышел новый EP "сс". Очень необычный релиз, который вернёт вас к подростковым переживаниям под сочетание звукового коллажа и экспериментальной электроники.
В отличие от предыдущих EP Klein на "сс" она отказалась от привычной для неё идеи писать альбомы от чьего-то лица (так, например, её EP 2016 года Lagata - это повествование от лица нигерийского правителя из художественного фильма). На третьем EP она напротив впускает слушателей в свой внутренний мир. Эта запись была сделана Klein о себе и для себя. "сс" - альбом о рождении, подростковом возрасте, жизни, взрослении, смерти, со всеми эмоциональными перепадами и только пробуждающимися чувствами на заре юношества.
Со стороны звука это нетривиальный релиз. Это и экспериментальная электронная музыка, и саунд-коллаж, и кое-где глитч. На одном из наиболее жутких и цепляющих треков EP "Apologise" Klein использует семпл из культового фильма The Blair Witch Project, а именно тот момент, когда главная героиня записывает монолог-извинение. А на треке "collect", который открывает альбом вы услышите голос американской художницы и поэтессы Даймонд Стингили (Diamond Stingily), которая рассказывает воспоминания из своего детства и мечты о том, что на Небесах будет мороженое без молока под постоянно прерывающиеся электронные мотивы Klein. Несмотря на обилие электроники и искрящихся глитчевых звуков, которые делают этот релиз таким экспериментальным, Klein удаётся сделать его ещё и очень человеческим и трогающим.
"сс" - это не то произведение, которое можно понять и прочувствовать после одного прослушивания. Оно многослойное, с таким количеством смыслов, которые лежат глубоко под поверхностью, что с каждым новым прослушиванием этот EP открывается для слушателя с новой стороны.
Eartheater - Metalepsis
(2015, Hausu Mountain)
experimental electronic / psychedelic folk / avant-pop
Дебютный альбом сольного проекта Eartheater Александры Дрюучин. Психоделическая электроника с элементами фолка и множеством экспериментальных сюрпризов.
Александра Дрюучин (Alexandra Drewchin) переехала в Нью-Йорк из отдалённой фермы на северо-востоке Пенсильвании в восемнадцать. Несколько лет она участвовала в большом количестве чужих проектов (вроде групп Invisible Circle, Heat Leisure или в записи альбома исландского музыканта Indriði Arnar Ingólfsson), а созданная ею в 2010 страничка Eartheater на Myspace висела практически пустой. Наиболее узнаваемый проект с участием Александры - Guardian Alien, где она в дуэте с Грегом Фоксом играет психоделический нойз-рок. На сольном проекте Eartheater гораздо большую роль играет электроника, хотя остаётся сильный психоделический флёр, который местами даже уходит в фолк.
В 2015 году у Алексадндры вышло сразу два релиза под именем Eartheater - "Metalepsis" и "RIP Chrysalis", оба на небольшом чикагском психоделическом лейбле Hausu Mountain Records. "Metalepsis" иногда кажется словно рассыпающимся, дрожащим, как воздух на горизонте в сильный зной. Звуки, голоса, семплы - всё словно дрожит и плавится, и благодаря этому знакомые элементы вроде гитарных переборов, высокого женского вокала, лупов и электроники кажутся какими-то совершенно необычными и новыми. При этом альбом полон неожиданных экспериментов: это касается и лирики, которую, Дрюучин, к слову, иногда пишет на протяжении нескольких лет, и очень внезапных семплов вроде русскоязычного, как будто любительского рэпа на треке "Youniverse" (мы честно пытались найти, откуда это может быть взято, но не нашли, если вы знаете, пишите в комменты, правда, интересно ведь!) или семплов виртуозных соло Джона Фрусчанте. При этом наслаивающаяся электроника, биты и как будто инопланетный голос самой Александры полностью погружают в ритмы этого раскаленного, психоделического мира, где ничто не остаётся прежним дольше секунды.
Очень интересный альбом для начала знакомства с немаленькой дискографией проектов, в которых участвовала Дрюучин.
(2015, Hausu Mountain)
experimental electronic / psychedelic folk / avant-pop
Дебютный альбом сольного проекта Eartheater Александры Дрюучин. Психоделическая электроника с элементами фолка и множеством экспериментальных сюрпризов.
Александра Дрюучин (Alexandra Drewchin) переехала в Нью-Йорк из отдалённой фермы на северо-востоке Пенсильвании в восемнадцать. Несколько лет она участвовала в большом количестве чужих проектов (вроде групп Invisible Circle, Heat Leisure или в записи альбома исландского музыканта Indriði Arnar Ingólfsson), а созданная ею в 2010 страничка Eartheater на Myspace висела практически пустой. Наиболее узнаваемый проект с участием Александры - Guardian Alien, где она в дуэте с Грегом Фоксом играет психоделический нойз-рок. На сольном проекте Eartheater гораздо большую роль играет электроника, хотя остаётся сильный психоделический флёр, который местами даже уходит в фолк.
В 2015 году у Алексадндры вышло сразу два релиза под именем Eartheater - "Metalepsis" и "RIP Chrysalis", оба на небольшом чикагском психоделическом лейбле Hausu Mountain Records. "Metalepsis" иногда кажется словно рассыпающимся, дрожащим, как воздух на горизонте в сильный зной. Звуки, голоса, семплы - всё словно дрожит и плавится, и благодаря этому знакомые элементы вроде гитарных переборов, высокого женского вокала, лупов и электроники кажутся какими-то совершенно необычными и новыми. При этом альбом полон неожиданных экспериментов: это касается и лирики, которую, Дрюучин, к слову, иногда пишет на протяжении нескольких лет, и очень внезапных семплов вроде русскоязычного, как будто любительского рэпа на треке "Youniverse" (мы честно пытались найти, откуда это может быть взято, но не нашли, если вы знаете, пишите в комменты, правда, интересно ведь!) или семплов виртуозных соло Джона Фрусчанте. При этом наслаивающаяся электроника, биты и как будто инопланетный голос самой Александры полностью погружают в ритмы этого раскаленного, психоделического мира, где ничто не остаётся прежним дольше секунды.
Очень интересный альбом для начала знакомства с немаленькой дискографией проектов, в которых участвовала Дрюучин.
Tsembla – The Hole in the Landscape
(2018, NNA Tapes)
avant-garde / electroacoustic / experimental electronic
Четвёртый сольный альбом шведско-финской экспериментаторши Марьи Ахти, в котором переплетаются электроакустический авангард, электронные глитчи и лёгкость поп-музыки.
Марья Ахти (Marja Ahti), более известная любителям экспериментальной музыки как Tsembla, записывает музыку сольно, в дуэте Ahti & Ahti с финским коллегой Нико-Матти Ахти (Niko-Matti Ahti) и часто сотрудничает с безумной авангардной формацией Kemialliset Ystävät. Если рассматривать творчество Марьи в контексте вышеупомянутой финской экспериментальной сцены, то, пожалуй, можно отметить, что музыка проекта Tsembla - относительно доступная для восприятия, балансирующая на тонкой грани между чем-то привычным уху и оголтелым обскурантизмом. За это мы и любим Tsembla. Однако в случае с с альбомом “The Hole in the Landscape” восприятие несколько усложняется усиленной концептуализацией самой музыки. Что ж, тем более интересно вникнуть и погрузиться в альбом.
Тематически “The Hole in the Landscape” развивается вокруг метафорических рассуждений о том, как геологические процессы, ландшафты, образование гор (и прочее в таком духе) контрастно соотносятся “с мимолёнтным сроком жизни человеческого разума и сердца”. То есть, несколько огрубляя, можно сказать, что Tsembla на своём альбоме предлагает нам взглянуть на человеческую жизнь, индивидуальные и коллективные эмоции человека и общества с позиции геологического времени и фундаментальных природных трансформаций, по сравнению с которыми люди представляют лишь небольшими единицами в гигантской цепи природных процессов.
Интересно, что при такой глубокой концептуализации альбома, музыка на нём в каком-то смысле получилась довольно лёгкой. Конечно, акцент на “The Hole in the Landscape” по-прежнему сделать на электроакустические эксперименты; эта музыка все ещё далека от тривиальных структур и паттернов. Но само звучание музыки - ненапряжное и чуть ли не воздушное (если этот эпитет вообще применим к авангарду) - заставляет возвращаться к этому альбому вновь и вновь.
(2018, NNA Tapes)
avant-garde / electroacoustic / experimental electronic
Четвёртый сольный альбом шведско-финской экспериментаторши Марьи Ахти, в котором переплетаются электроакустический авангард, электронные глитчи и лёгкость поп-музыки.
Марья Ахти (Marja Ahti), более известная любителям экспериментальной музыки как Tsembla, записывает музыку сольно, в дуэте Ahti & Ahti с финским коллегой Нико-Матти Ахти (Niko-Matti Ahti) и часто сотрудничает с безумной авангардной формацией Kemialliset Ystävät. Если рассматривать творчество Марьи в контексте вышеупомянутой финской экспериментальной сцены, то, пожалуй, можно отметить, что музыка проекта Tsembla - относительно доступная для восприятия, балансирующая на тонкой грани между чем-то привычным уху и оголтелым обскурантизмом. За это мы и любим Tsembla. Однако в случае с с альбомом “The Hole in the Landscape” восприятие несколько усложняется усиленной концептуализацией самой музыки. Что ж, тем более интересно вникнуть и погрузиться в альбом.
Тематически “The Hole in the Landscape” развивается вокруг метафорических рассуждений о том, как геологические процессы, ландшафты, образование гор (и прочее в таком духе) контрастно соотносятся “с мимолёнтным сроком жизни человеческого разума и сердца”. То есть, несколько огрубляя, можно сказать, что Tsembla на своём альбоме предлагает нам взглянуть на человеческую жизнь, индивидуальные и коллективные эмоции человека и общества с позиции геологического времени и фундаментальных природных трансформаций, по сравнению с которыми люди представляют лишь небольшими единицами в гигантской цепи природных процессов.
Интересно, что при такой глубокой концептуализации альбома, музыка на нём в каком-то смысле получилась довольно лёгкой. Конечно, акцент на “The Hole in the Landscape” по-прежнему сделать на электроакустические эксперименты; эта музыка все ещё далека от тривиальных структур и паттернов. Но само звучание музыки - ненапряжное и чуть ли не воздушное (если этот эпитет вообще применим к авангарду) - заставляет возвращаться к этому альбому вновь и вновь.