Matana Roberts - Coin Coin Chapter Four: Memphis
(2019, Constellation)
avant-garde jazz / free jazz / jazz poetry / spoken word

Слушаем альбом джаз-поэтессы, художницы и музыканта Матаны Робертс, одну из самых нетривиальных джазовых пластинок прошлого года, которую мы незаслуженно пропустили в 2019-м.

I am a child of the wind, even daddy said so / We used to race and I would always win / And he'd say "Run baby run, run like the wind, that's it, the wind" / Memory is a most unusual thing
(Я дитя ветра, даже папа так говорил / Мы бегали наперегонки и я всегда побеждала / И он всегда говорил “Беги детка беги как ветер, вот так, как ветер" / Память — самая необыкновенная вещь)

Альбом, для понимания которого исключительно важен контекст. Но всё же преждевременное погружение в него может сломать хрупкую историю, которую лучше всего слушать с начала до конца. Это страшная история, которую слушаешь в постоянном напряжении, затаив дыхание. Бедность, любовь, детство, семейная трагедия, которую тихим голосом рассказывают соседи своим внукам. “На небесах у всех будет обувь”.

Матана Робертс, американская саксофонистка, кларнетистка и мультимедиа-художница, известна уже довольно давно, причём не только в среде любителей авангардного джаза — она сотрудничала и с Tortoise, и с Godspeed You! Black Emperor, и с Deerhoof (как приглашенный музыкант). Coin Coin — амбициозный проект, который Робертс начала в 2011 году. Предполагается, что выйдет 12 альбомов-эпизодов этого большого нарратива. Но эта работа амбициозна не только потому, что не каждый решится анонсировать такое количество релизов, но и по масштабу работы, которую требует каждый из них. И в музыкальном плане, поскольку каждая из пластинок обладает удивительно насыщенным звучанием — авангардный джаз, фолк, духовная музыка, полевые записи, самые разные вокальные техники, споукен-ворд, огромное количество талантливых приглашённых музыкантов, и в контекстуальном — Робертс действительно рассказывает истории, серьёзные, глубокие, настоящие — а для этого требуется не только поэтический талант, но и кропотливая исследовательская работа.

“Memphis” — уже четвёртая часть этого проекта, но все эпизоды самостоятельны и их можно слушать отдельно друг от друга. Все эти работы так или иначе затрагивают проблемы расы, рабовладельческого прошлого Америки, памяти и насилия. Как сказала Робертс в интервью The Quietus: “История мира — это история насилия”. Это звучит претенциозно, но, как талантливый рассказчик, эту идею Робертс передаёт в альбомах через нарратив частной жизни, затрагивая слушателя на личном уровне. В истории на “Memphis” много ритуального: например, на некоторых композициях звучит варган, молитвы, хоры. История циклична, как Coin Coin должен выйти в 12 частях, заключая годовой цикл, так события “Memphis” укладываются в одну Неделю Творения — от воскресенья до субботы. Одни и те же строчки возникают на “Coin Coin Chapter Four: Memphis” в разные моменты, повторяются мотивы (быстрый ветер, спокойная река, обувь, образы родителей) каждый раз открываясь немного с другой стороны, повторяются даже целые песни ( ”her mighty waters run” и “her mighty waters run / wild fire bare / fit to be tied” отличаются всего на два слова). Это альбом, заслуживающий нескольких прослушиваний, глубокого погружения и внимательности к тексту.

Слушать:
https://matana-roberts.bandcamp.com/album/coin-coin-chapter-four-memphis

Если вы увлекаетесь музыкой давно, то наверняка помните, из каких журналов в России 1990-х можно было узнать о нетривиальных группах и артистах по обе стороны границы. Мы эти времена не застали, тем интереснее бывает читать тексты из журналов вроде "ОМ".

Тут как раз недавно редактор "ОМ" и музыкальный критик/обозреватель с близким нам вкусом Андрей Бухарин завёл свой телеграм-канал. Обещает публиковать тексты из своего архива и писать про интересные явления в современной музыке.

Достал с полки послушать альбом Natacha Atlas «Mish Maoul», — любовь моя к ней никак не стынет — и обнаружил на рекламном вкладыше компакт-диска свой текст, который по идее должен был помочь его продавать. Вот он:
«От альбома к альбому самозваная арабская дива из глубин британского электронного андеграунда шлифовала свой роскошно-пряный стиль, но теперь, когда он уже достиг идеального состояния, Наташа Атлас открыта новым ветрам. На ее шестом альбоме больше традиционной североафриканской трансовой музыки, чем собственно арабского попа, к тому же не без прямых включений англоязычного рэпа и даже босановы. А голос Наташи, что слаще всех щербетов мира, звучит на новом альбоме особенно зазывно, словно обещания райской гурии».
Текст этот вызвал у меня смешанные чувства, вроде бы ох как написано, а с другой, сейчас писать так о музыке совершенно невозможно. И не пишут. С одной стороны, понятно —какая музыка, такие и слова о ней. Но все же дело не только в этом. Найти язык, чтобы адекватно писать о музыке сегодня, — задача не из простых. И рецептов ее решения у меня нет. А пластинку послушайте, хоть мода на мультикультурность и миновала.
https://music.apple.com/ru/album/mish-maoul/125221766

CS + Kreme - Snoopy
(2020, The Trilogy Tapes)
electronic / ambient dub / downtempo / future jazz / trip-hop influenced

Дебютный альбом CS + Kreme, объединения двух музыкантов из Мельбурна - одна из самых удачных находок за последнее время. Полусвет звучания их инструментов и текучий эмбиент-даб несут и спокойствие, и динамику.

Многослойная музыка часто может как запутать, так и стать спутником разных настроений. Так происходит и со "Snoopy" от австралийского дуо CS + Kreme, способным задеть сразу несколько чувств и потребностей слушателя. Для этого должна была сложиться как минимум встреча двух участников, Конрада Стэндиша и Сэма Кармела (Conrad Standish & Sam Karmel), и их стилей, их понимания музыки. Путь первого лежал через несколько групп, от традиционного инди-альт-рока с мотивами Ника Кейва (Devastations) и синт-рока (Standish/Carlyon). Второй же преуспел как в детройтском техно, так и (в большей степени) в разнообразных экспериментах в группах Bum Creek и F ingers (вместе с Карлой Даль Форно [Carla Dal Forno] и другими музыкантами). Чувство инструментов Конрада и Сэма, а также их стремление к экспериментам, спустя несколько EP и миксов, привели артистов к дебютному LP, да такой таинственной красоты, что сравнений подобрать не удастся.

Ничто в "Snoopy" не стоит на месте, будто бы это многослойное мерное океанское течение из эмбиент-дабов и мерцающих меж них как солнце звуков, духовых и звенящих. Но за спокойствием этой музыки скрывается буря неописуемых, с первого взгляда не очень заметных эмоциональных сдвигов и меланхолических настроений. Взять хотя бы то по-Coil'овски племенной, то величественный "Blue Flu", похожий на обряд исцеления (и да, этот бас, которого стоит подождать 5 минут, может исцелять). Будучи рождёнными из импровизаций, каждый трек всё же кажется выверенной тихой симфонией. Большинство из них, что редкость для экспериментальной музыки, наполнено барочностью и классицизмом. Даже фри-джазовый саксофон, иногда появляющийся между гитар, голосов, ксилофонов и электроники "The Whale's Tail" кажется неотъемлемой частью структуры трека.

Да, набор инструментов, для электронного по сути альбома, здесь довольно впечатляет - кроме остального, CS + Kreme одновременно используют орган от Джеймса Рашфорда [James Rushford], классическое пианино ("Pussywhistle Tea") и вокальные сниппеты от HTRK, одна из участниц которого – супруга Конрада. Их репетитивная простота наслаивается сама на себя, а любой простейший перебор клавиш, как например на "Time Is a Bozo", так поддерживается небесными трубами и голосами, что выходит что-то величественное, но осязаемое. И каждый раз сочетание всего может показаться чем-то воодушевляющим, а иногда оставить в ступоре самоосознания; "Snoopy" вздымает в небо и бросает на землю. И мы, как и CS + Kreme, меж двух состояний – потери / потерянности ("Saint") и возвышенности, как на той же "Blue Flu" или финальной "Mount Warning".

Слушать: https://csandkreme.bandcamp.com/album/snoopy

Subtle - For Hero: For Fool
(2006, Lex)
abstract hip-hop / experimental hip-hop / indie rock / indietronica

Второй альбом американского экспериментального хип-хоп-секстета, двое участников которого являются сооснователями лейбла anticon. (Doseone и Jel). Впрочем, сами Subtle намеренно издаются на британском лейбле Lex Records.

Британский независимый лейбл Lex Records в жанровом отношении ориентируются преимущественно на издание альтернативного хип-хопа, инди-рока и разнообразной электроники. Поэтому неудивительно, что сооснователи anticon. решили обратиться к Lex для выпуска альбомов Subtle. В то время для лейбла это была распространённая практика: ради интереса и опыта сотрудничества выпускать музыку своих проектов (например, cLOUDDEAD на Mush Records или Greenthink на A Purple 100) на других лейблах.

Возвращаясь непосредственно к секстету, стоит отметить, что музыку Subtle, как и в случае с некоторыми другими “антиконовскими” проектами, с одной стороны, лестным образом можно было бы назвать внежанровой. С другой же стороны, это “классическое” для anticon. сочетание экспериментального хип-хопа, инди-рока и разных форм электронной музыки. Альбом “For Hero: For Fool” в этом смысле тяготеет скорее к той самой “внежанровости”. При использовании всё тех же музыкальных формул и жанровых приёмов секстету всё же каким-то образом удалось создать музыку, которая звучала бы действительно уникально, лишь аккуратно балансируя на гранях вышеупомянутых направлений. Причина успеха, конечно, отчасти заключалась в масштабном для хип-хоп-группы составе Subtle. Jel отвечал за драм-машины, Doseone – за тексты, вокал и визуальное оформление альбома. Помимо сооснователей anticon., в Subtle также входили музыканты Дакс Пирсон (Dax Pierson), отвечающий на альбоме за вокал и гармонику, Александр Корт (Alexander Kort), отвечающий за виолончели и бас-гитары, Джордан Далримпл (Jordan Dalrymple), отвечающий за гитару, ударные, синты и вокал, а также Марти Калани Доуэрс (Marty Kalani Dowers) на духовых и синтах.

Нетривиальное звучание альбома было во многом обусловлено использованию всевозможных синтов и разнообразных инструментов, а также в целом “антиконовской” тягой к экспериментированию и раздвиганию жанровых границ. Что же касается содержания “For Hero: For Fool”, а также вообще всей трилогии альбомов Subtle. Эта трилогия повествует о взлёте и падении персонажа по имени Hour Hero Yes (он изображён на обложке альбома), а сам персонаж, если ссылаться на промо-тексты от Subtle, мог действительно жить на протяжении записи всего альбома. Кроме того, и это особенно важно всегда держать в голове, все тексты на всём альбоме исполняются именно от лица Hour Hero Yes. Разумеется, не будем спойлерить историю этого персонажа, но дадим тем, кто ещё не слушал, небольшую затравку: у Hour Hero Yes диагностирован очень редкий и предельно анормальный тип крови:

When last we left him Hour Hero Yes
Was recently diagnosed the last haver
Of a most unusual sort of blood
(Who new)
And quite surprised by the news himself
And still the genuinely unlucky man
(He now wields)
His one and only body bag
Of this his now very
Very rare blood

(“Mercury Craze”)

Слушать: https://subtlesubtle.bandcamp.com/album/for-hero-for-fool

The Garden - Kiss My Super Bowl Ring
(2020, Epitaph)
experimental rock / post-punk / alternative hip-hop / d&b influenced

Очередной альбом от братьев из The Garden – весёлое месиво жанров и грохочущий экзорцизм всего и вся, что они считают испорченным.

Бывает, чтобы завоевать слушателя, альбому нужно быть всего лишь источником развлечения. Скорее всего, новый релиз The Garden из Штатов – отличный пример, и это не выпад в их сторону, наоборот. Сами близнецы Ширс [Wyatt & Fletcher Shears] делают на этом акцент, любая их музыкальная выходка – ради веселья слушателя. Записывая и “Kiss My Super Bowl Ring” (KMSBR), и любой альбом из их пёстрой дискографии, они ставят себя на место слушателя, а потом надевают маску шута (буквально, они обожают этот образ!) и устраивают представление. Их новый альбом получился, наверное, наиболее “прыгучим”, почти у каждой песни есть явно отличающиеся части, и по жанру (если его вообще можно определить), и по настроению. Ну а зачем какие-то структуры? Vada vada! Это выражение они придумали ещё тинейджерами и сделали своим девизом. Значит – полная свобода творчества без границ и принципов.

KMSBR полон сюрпризов, и всегда приятных. Например, поначалу смертоносная "The Struggle" быстро превращается в заедающий в голове мотив о преодолении трудностей. Преодоление себя – наверное, главная тема альбома. Братья борются с собственной склонностью к обморокам в "Clench To Stay Awake", говорят об ответственном поведении на заряженной "AMPM Truck" (там о том, как Уаятт чуть не влетел грузовик, уснув), ну и не пропустим самокритичную “A Fool’s Expedition”, которую буквально спасают довольно спонтанные флейты. Уаятт и Флетчер то комплексуют о своём поведении и нестандартной модельной внешности, то советуют любить себя. Ну и какими панками были бы близнецы без агрессии против истеблишмента, которой на "Super Bowl Ring" больше, чем когда-либо. Под заразительный драм-энд-бейс и припев "Sneaky Devil" или репетитивный заглавный трек (читай, kiss my ass), сложно не закачать головой и не послать парочку устоев.

В общем, довольно скоро, если не сразу, поймёте, что веселитесь. Кроме того, возможно, удивитесь, когда услышите хип-хоп (с фитом Le1f на "Lurkin'", сразу и напоминающей Death Grips, и нет), продакшен от парней из Kero Kero Bonito и 100 gecs (Wharfwhit и Dylan Brady), или немного Ариэля Пинка. Ну что ж, The Garden этого и добивались. А если после прослушивания будете более уверены в себе и не бояться “the struggle”, ещё лучше. С каждым релизом братья осваивают шутовство, учатся новому ('I just want knowledge, no reward' – "Hit Eject"), пытаются веселиться, но без эксцессов. И в этом весь их кайф. Ведь наиболее панковская вещь, как говорят The Garden, которую сегодня можно делать, это быть собой.

Слушать: https://thegardenmusic.bandcamp.com/album/kiss-my-super-bowl-ring

Ilia Belorukov - Selected Works vol . 8
(2020, self-released)
experimental electronic / modular / field recordings / live

C этого момента у нас иногда будут и небольшие рецензии на российскую музыку. Музыкант-импровизатор, -экспериментатор, а также композитор Илья Белоруков — первый из таких артистов в нашем блоге.

Разговоры посетителей, доносящиеся из разных мест концертной площадки, звуки музыки, раздающиеся с другого этажа площадки, модульный синтез в режиме реального времени, подкреплённый полевыми записями с целью воплотить ощущение пространства в самом пространстве концерта. Так, например, может выглядеть, а главное — звучать, выступление петербургского музыканта-экспериментатора, импровизатора и композитора Ильи Белорукова. Основный инструмент Ильи — альт-саксофон; музыкант участвовал в самых разных экспериментальных проектах; он даже является исполнителем современной академической музыки. Но сегодня перед вами релиз, на котором оказались записи выступлений Ильи в трёх разных городах. Выступления исключительно при помощи модульного синтезатора (в сопровождении полевых записей).

"Selected Works vol . 8" интересен тем, что для Ильи этот сборник лайв-записей стал первым релизом, где всецело главенствует модуляр. Та исключительная степень музыкальной свободы, тот риск и те случайные эксперименты — всё это находится в звуковом континууме модульных синтезаторов, благодаря которым они и являются таким уникальным типом музыкального инструмента. А если ещё и не забывать об использовании полевых записей (Илья учтиво называет их своим партнёром, наряду с акустикой концертных площадок), способных задать даже самой оголтелой импровизации своеобразный вектор развития, да и придать выступлению ту самую (простите за банальность) “атмосферность”... Если осознать все эти элементы и аспекты музыки Ильи Белорукова (а также внешние факторы, влияющие на неё), то на выходе получается настоящее и необузданное высвобождение звука. Способность привести звук к такой мощной эмансипации — редкое качество, но, если судить по лайвам Ильи, музыкант им всецело обладает.

Поддержать музыканта и послушать релиз:
https://iliabelorukov.bandcamp.com/album/selected-wor..

Телеграм-канал Ильи:
@iliamusicworm

Начав следить какое-то время назад за вк-пабликом That Exploded! music, я сразу обнаружил немало интересных рецензий и ссылок на новую для себя музыку, перемежающуюся с моими любимцами вроде Тима Берна. Начав более активно осваивать телеграм, подписался и на тг-канал. Советую последить, почитать и послушать: @that_exploded и вк.

А вчера был приятно удивлён отличной рецензией на собственный альбом Selected Works vol.8, который издан в марте (моё эссе о нём опубликовано на сигме). Как раз на днях я успел опубликовать и новый выпуск в этой серии, но об этом подробнее попозже. Рецензия эта ниже, спасибо Никите!

#iliabelorukov #friends

Всем привет!

Решили, что теперь будем писать ещё и про российскую музыку (а также музыку стран постсоветского пространства). Если давно хотели опубликоваться в нашем одноимённом VK-паблике, то теперь появилась такая возможность.

Присылайте свои релизы в предложку паблика, а мы напишем рецензии на альбомы, которые покажутся нам достаточно интересными для этого.

Обратите внимание, что мы оставляем за собой полное право отклонить публикацию без объяснения причин.

Biosphere - Shenzhou
(2002, Touch)
ambient / drone / dark ambient / hauntology

Один из самых минималистичных ранних альбомов Biosphere, в котором главное место занимают обрывки музыки Клода Дебюсси.

“Shenzhou” – что может означать "магический корабль" (такой запускали в космос китайцы) или даже "мир" – особенная запись в каталоге Biosphere. Впервые здесь он почти полностью отказывается от большинства эмбиент-техно/даб структур, бита и уводит полевые записи на второй план. Единственными источниками звука наравне с дроун-слоями здесь являются небольшие, в несколько секунд, отрывки оркестровок пары произведений французского композитора Клода Дебюсси – “Море” и “Игры” (La Mer, Jeux). Проведя большую часть жизни за полярным кругом в родном Тромсё, норвежец Гейр Йенссен (Geir Jenssen) вобрал в себя чувство застывшего бесконечного пространства и придавал арктический флёр всему, чего касался. Это же приключилось и с постоянно изменяющейся музыкой Дебюсси – её зацикленные части (из довольно неочевидных частей оригинала) завёрнуты во вьюгу эмбиента,в котором, однако, ярким янтарём теплится спокойствие.

Это напоминает прекрасную зимнюю сказку или сон после морозной прогулки, когда пальцы уже отогрелись, но воспоминания о метели ещё ясны. Разные повторяющиеся пласты этого сна местами настораживают, а следом – успокаивают или поднимают вихрь будто не ваших, чужих воспоминаний ("Fast Atoms Escape" здесь показательна). “Shenzhou” по уровню погружения может сравниться с лесными эмбиент-образами в проекте GAS, но техника и ощущения от неё скорее больше соотносятся с музыкой The Caretaker или Филипа Джека (Philip Jeck). Звук не растворяется в природе, но цепляется за что-то человеческое, хоть, может, и минувшее. Отсутствие мелодий (что, кстати, можно считать подарком Дебюсси западной музыке – начало отказа от чёткой мелодической динамики) компенсируется пульсациями и манипуляцией громкостью.

Многообразие часов дня и настроений, в которые "Shenzhou" может захватить ваше внимание (или играть на заднем плане) – этим и славна такая внеформенная музыка. Некий импрессионизм второго порядка, если считать первоисточник Дебюсси "музыкой импрессионистов". Лишь иногда на "Shenzhou" очертания начинают "оттаивать" – разогреваясь то под треск костра в "Ancient Campfire", то под шаг эмбиент-даба в "Path Leading to the High Grass". Два последних трека единственные немного выбиваются из общей картины из-за отсутствия семплов, но в то же время служат отличным переходом к бонусному альбому "The Samphire Tower", вышедшему с переизданием "Shenzhou" в 2017.

Patashnik (1994):
https://vk.com/wall-124779825_803

Слушать: https://biosphere.bandcamp.com/album/shenzhou-reissue-with-bonus-album

Шурик Горбачёв пишет дельные вещи в этом посте:

ПРОТИВ ИНДУСТРИАЛЬНОГО ПОДХОДА

Лучший способ бить себя по рукам — делать это публично.

Я стал замечать, что когда пишу тут, даже в этом миниатюрном формате про новые российские записи, оцениваю их с точки зрения потенциального коммерческого успеха. Отсюда — лексика вроде «перспективы», «хиты», «взрыв» и так далее. Я не уверен, что это правильно, и хотел бы прекратить это делать.

В последние пять лет в России появилась более-менее настоящая музыкальная индустрия со своими механизмами — и все закономерно очарованы этим явлением. В том числе — журналистика / критика. С одной стороны, это нормально. С другой, это приводит к тому, что механизмы работы индустрии становятся главной, если не единственной содержательной повесткой. Посмотрите на темы нынешних онлайн-дискуссий — почти все они так или иначе толкуют об индустрии, бизнесе, инфраструктуре и прочих культурно-строительных делах. Одно из побочных следствий этого — проникновение industry speak в критический дискурс; вся эта внутренняя терминология типа слова «артист» и «площадка», которая становится доминирующим языком. Другое — что в музыкальной критике сильно реже, чем в других (кино-, арт-, театральной), возникают новые оптики: классовая, гендерная, колониальная, да даже собственно предметный разговор про звук.

Конечно, индустрия заслуживает осмысления и описания. Но я замечаю в себе, что индустриальный подход начинает заменять смысловой; что я начинаю думать про какую-то музыку не в ракурсе «что это значит», а в ракурсе «может ли это сработать». И мне это, пожалуй, не нравится. Все-таки одна из важнейших функций критики — это производство смыслов; рискну даже сказать, что это более важная функция, чем финансовая аналитика.

Очевидно, например, что в отношении экспериментальной музыки (лейблы Klammklang, «ТОПОТ», Cant, магазин Stellage и пр.) критических смыслов производится куда больше, чем в отношении какого-нибудь русского пост-R’n’B. Одним из ответов на вопрос, почему так, будет такой, что в экспериментальной музыке этих смыслов больше и есть. Другим — что во второй области этим производством мало кто занимается. Я за второй.

Понятно, что крохотки в этом канале могут называться критикой с большой долей условности. Тем не менее. Попытаюсь отказаться тут от рассуждений про рыночные перспективы. Как принято сейчас выражаться, рыночек пусть порешает сам. Без меня.

Einstürzende Neubauten - Alles in Allem
(2020, Potomak)
art pop / post-industrial

Наконец добрались до нового альбома EN, продолжающего зрелый арт-поп-период их творчества.

За свою жизнь Бликса Баргельд успел пожить не только в родной Германии, но ещё в Америке и Китае. Недавно он вернулся из Пекина обратно в Берлин и, лёжа бессонной ночью и мучаясь от джетлага, решил, что в дискографии Einstürzende Neubauten должен появиться ещё один альбом. Как можно догадаться по всей предыстории, альбом этот посвящён Берлину. Получилась психогеография от Бликсы — разбросанные точки на карте (аэропорт Темпельхоф, улица Грацер Дамм, район Веддинг и другие), а на пути — размышления, воспоминания и сожаления.

Это ретроспективная аудиопрогулка с фрагментарной лирикой, нарративы которой расходятся в разные стороны, словно в узенькие переулки старого города. Альбом бесспорно воспринимается в качестве взрослого высказывания, много раз обдуманного, с образами, ютившимися в подсознании десятилетиями, которые, наконец, обрели форму, когда их стриггерили знакомые места. Звучание у “Alles in Allem” получилось многослойное, но при этом минималистичное, размеренное.

“Alles in allem” переводится на русский как “всё во всём”: универсум, в котором смешиваются мифы и воспоминания из детства, женское и мужское, очевидное и похожее на сон. На “Seven Screws” Бликса повторяет свою главную мысль и на английском (чтобы уж наверняка все поняли): “Seven screws / One day I take them out / I reassemble all the parts / I rearrange the alphabet / And out of the sea of possibilities / I draw myself anew / Nonbinary I / Forever you”. На альбоме много мыслей про преодоление двойственности, растворение в пространстве. Индустриальщики ищут своё “небинарное я”. Невольно вспоминается “Пандрогин”, проект Дженезис Пи Орридж, который/ые когда-то стоял/и у истоков индастриала, как и Einstürzende Neubauten.

P. S. В архиве — делюкс-версия альбома с семью дополнительными треками.

Мы поговорили с авангардной корейской виолончелисткой Оккён Ли (Okkyung Lee) о ёё новом альбоме "Yeo-Neun", взаимопроникновении импровизации и традиционной корейской музыки, а также внезапно о группе BTS.

https://www.colta.ru/articles/music_modern/24530-violonchelistka-okkyon-li-intervyu