Company Flow - Funcrusher Plus
(1997, Rawkus)
abstract hip-hop / experimental hip-hop / conscious hip-hop
Сегодня в рубрике #that_greats переслушиваем единственный полноформатник CF, который в своё время был назван «поворотным пунктом в независимом хип-хопе».*
Чтобы описать состояние хип-хопа в период записи альбома Funcrusher Plus достаточно вспомнить название классического трека DJ Shadow «Почему хип хоп ’96-го такой лажовый». «Дело в деньгах», — отвечает на свой же вопрос Shadow, если точнее, в огромных гонорарах, замаячивших перед лейблами в годы войны восточного и западного побережий и рассвета гангста-рэпа. Хип-хоп всё сильнее съезжал от былого многообразия в сторону шаблонных битов и раздутых криминальных нарративов, которые ленивые критики так любят выдавать за «аутентичный» хип-хоп. Однако, это не значит, что независимых артистов в те годы не было.
Зародившаяся в Нью-Йорке формация Company Flow состояла из MC Джастина Инглтона (Bigg Jus) и Джейми Мелина (EL-P), а также мастера скретчинга Леонарда Смайта (Mr. Len). Троица провозгласила свой хип-хоп не просто независимым, но «охуенно независимым». Свой материал артисты раскручивали без помощи промоутеров, отсылая демки на радио WKCR. Ведущие последнего, Стретч и Боббито, для нью-йоркской хип-хоп-сцены по значимости были примерно как Джон Пил для британской гитарной музыки. При поиске лейбла группа выбрала креативный контроль вместо больших гонораров и подписалась на лейбл Rawkus Records, на котором буквально через год выйдет культовый альбом Mos Def & Talib Kweli Are Black Star.
Андерграундное происхождение Company Flow выражаются не только в модели дистрибуции, но и в музыкальной ткани. EL-P как продюсер не берет ничего от мейнстримного звука тех лет, насаждаемого тусовкой вокруг лейбла Bad Boy Records. Вместо него альбом пронизывают короткие разреженные семплы гитар и синтезаторные наплывы, затухающие в цифровом шуме. Эту смесь можно было бы назвать прогрессивным хип-хопом, но по аналогии не с набившим оскомину симфоническим прогом, а с импровизациями кентерберийской сцены или сайфайными саундскейпами группы Heldon. EL-P уже на Funcrusher Plus нащупывает привычный для его проектов саунд в духе звукового сопровождения «Бегущего по лезвию», но синтезирует его максимально грязно, используя только драм-машину и пару дешёвых семплеров.
Company Flow регулярно вспоминают и как текстовых инноваторов, однако их находки в этой плоскости носили скорее формальный характер. Тексты группы перегружены информацией: нестандартными рифмами, играми слов и комплексными отсылками, в которых не разберешься без регулярных прогулок по Википедии. При этом тематически Bigg Jus и EL-P откатываются на пару шагов назад от мейнстримного гангста-рэпа к привычному на восточном побережье хардкорному хип-хопу. Рэперы не боятся открыто нападать на музыкальную индустрию и своих более успешных коллег по цеху, но не могут противопоставить им ничего весомого, кроме талантливой словесной эквилибристики. Тем не менее, одной лишь её хватило для создания импульса достаточно мощного, чтобы разворошить родную сцену и запустить цепочку культовых релизов 1990-х, которые уже не упрекнуть в тематической бедности.
* https://www.nj.com/entertainment/music/2011/10/song_of_the_day_lune_tns_compa.html
(1997, Rawkus)
abstract hip-hop / experimental hip-hop / conscious hip-hop
Сегодня в рубрике #that_greats переслушиваем единственный полноформатник CF, который в своё время был назван «поворотным пунктом в независимом хип-хопе».*
Чтобы описать состояние хип-хопа в период записи альбома Funcrusher Plus достаточно вспомнить название классического трека DJ Shadow «Почему хип хоп ’96-го такой лажовый». «Дело в деньгах», — отвечает на свой же вопрос Shadow, если точнее, в огромных гонорарах, замаячивших перед лейблами в годы войны восточного и западного побережий и рассвета гангста-рэпа. Хип-хоп всё сильнее съезжал от былого многообразия в сторону шаблонных битов и раздутых криминальных нарративов, которые ленивые критики так любят выдавать за «аутентичный» хип-хоп. Однако, это не значит, что независимых артистов в те годы не было.
Зародившаяся в Нью-Йорке формация Company Flow состояла из MC Джастина Инглтона (Bigg Jus) и Джейми Мелина (EL-P), а также мастера скретчинга Леонарда Смайта (Mr. Len). Троица провозгласила свой хип-хоп не просто независимым, но «охуенно независимым». Свой материал артисты раскручивали без помощи промоутеров, отсылая демки на радио WKCR. Ведущие последнего, Стретч и Боббито, для нью-йоркской хип-хоп-сцены по значимости были примерно как Джон Пил для британской гитарной музыки. При поиске лейбла группа выбрала креативный контроль вместо больших гонораров и подписалась на лейбл Rawkus Records, на котором буквально через год выйдет культовый альбом Mos Def & Talib Kweli Are Black Star.
Андерграундное происхождение Company Flow выражаются не только в модели дистрибуции, но и в музыкальной ткани. EL-P как продюсер не берет ничего от мейнстримного звука тех лет, насаждаемого тусовкой вокруг лейбла Bad Boy Records. Вместо него альбом пронизывают короткие разреженные семплы гитар и синтезаторные наплывы, затухающие в цифровом шуме. Эту смесь можно было бы назвать прогрессивным хип-хопом, но по аналогии не с набившим оскомину симфоническим прогом, а с импровизациями кентерберийской сцены или сайфайными саундскейпами группы Heldon. EL-P уже на Funcrusher Plus нащупывает привычный для его проектов саунд в духе звукового сопровождения «Бегущего по лезвию», но синтезирует его максимально грязно, используя только драм-машину и пару дешёвых семплеров.
Company Flow регулярно вспоминают и как текстовых инноваторов, однако их находки в этой плоскости носили скорее формальный характер. Тексты группы перегружены информацией: нестандартными рифмами, играми слов и комплексными отсылками, в которых не разберешься без регулярных прогулок по Википедии. При этом тематически Bigg Jus и EL-P откатываются на пару шагов назад от мейнстримного гангста-рэпа к привычному на восточном побережье хардкорному хип-хопу. Рэперы не боятся открыто нападать на музыкальную индустрию и своих более успешных коллег по цеху, но не могут противопоставить им ничего весомого, кроме талантливой словесной эквилибристики. Тем не менее, одной лишь её хватило для создания импульса достаточно мощного, чтобы разворошить родную сцену и запустить цепочку культовых релизов 1990-х, которые уже не упрекнуть в тематической бедности.
* https://www.nj.com/entertainment/music/2011/10/song_of_the_day_lune_tns_compa.html
Basil Kirchin - Abstractions of the Industrial North
(1966, De Wolfe (unreleased) / 2005, Trunk)
library music / chamber jazz / jazz-pop / "musique organique"
Одна из затерянных «библиотечных» записей британского композитора-экспериментатора, Бэзила Кёрчина, раскрывающая его мелодичную, органичную сторону, попадает к нам в рубрику #that_hiddengem.
С первого взгляда, название этого альбома – Abstractions of the Industrial North – единственная его странность, что не скажешь про другие, экспериментальные авангардные записи Бэзила Кёрчина. Музыка здесь не то чтобы абстрактная, а наоборот довольно понятная, и где здесь «индустриальность» и «север» тоже неясно – под такую музыку легко можно проводить и летние вечера. Но на деле мы лишь можем догадываться о замысле композитора, ведь он и правда писал музыку, абстрагируясь от её цели. Этот инструментальный околоджазовый альбом, как и ещё пять записей Бэзила, предназначался для лондонской музыкальной библиотеки De Wolfe, хранившей музыку для ещё не придуманных фильмов. Кроме того, Кёрчин писал саундтреки и к конкретным фильмам, вряд ли известным вне Британии, а также бросался в неслыханные на тот момент эксперименты.
В военные годы и после них Бэзил был известен как барабанщик из биг-бэндов, начиная с джаз-оркестра своего отца, и даже признавался лучшим по версии NME. Позже, в конце 50-х, он уезжает в духовное странствие, включающее Австралию и Индию, где он провёл почти полгода в храме подле Ганга (ещё до того, как это стало мейнстримом), в ходе которого символически тонут все его записи. Возвращается в Лондон и домой в город Халл Бэзил обновлённым, но более закрытым. В этот период ему удавалось одновременно изобретать (или же использовать только что изобретённые) техники записи, методы по работе с плёнкой, скоростью музыки и записывать максимально приятные альбомы для прослушивания в гостиных или кинотеатрах. Для знакомства с Бэзилом мы выбрали альбом последнего толка.
Сложно сказать, был ли Бэзил пророческой фигурой, повлиявшей на ход музыки, или же безвестным эксцентриком. В ограниченном смысле, он, конечно, ближе к первому – например, им вдохновлялись Stereolab, St. Etienne, Джим О'Рурк, а Брайан Ино, помогавший Бэзилу с изданием первых пластинок, и подавно назвал его «отцом-основателем» эмбиента. Но тиражи его пластинок нельзя было назвать массовыми как в 60-70-х, когда после разочарования в продажах своего magnum opus World Within Worlds (1971) он чуть было не перестал писать музыку, так и сегодня, когда его записи систематично переиздаёт энтузиаст Джонни Транк с Trunk Records, лично знавший Кёрчина. В числе переизданий появляется и library music, включая Abstractions of the Industrial North.
Несмотря на простоту, импрессионистский Abstractions... полон и интенсивности, и протяжности, и света дня, и индустриального грохота, насколько его можно было изобразить инструментами. Здесь вспоминаются и сцены будто из вестернов (Viva Tamla Motown), и мелодрамы, и фильмы о дикой природе, но вообще эта музыка универсальна. Связь с «истоками», природой, очень важна для Кёрчина — он записывал птиц, окружающие его звуки и либо переиначивал их через инструменты (как в Abstractions...), либо манипулировал записями, получая, как он это называл, «musique organique» вместо musique concrète. Умел он работать и с людьми, и на сессии приглашал не только своих знакомых, но и музыкантов из групп Дэвида Боуи и Led Zeppelin. Каждая запись, складывавшаяся из этих компонентов, уже история, и можно лишь сожалеть, что настолько малоизвестная (пока?).
(1966, De Wolfe (unreleased) / 2005, Trunk)
library music / chamber jazz / jazz-pop / "musique organique"
Одна из затерянных «библиотечных» записей британского композитора-экспериментатора, Бэзила Кёрчина, раскрывающая его мелодичную, органичную сторону, попадает к нам в рубрику #that_hiddengem.
С первого взгляда, название этого альбома – Abstractions of the Industrial North – единственная его странность, что не скажешь про другие, экспериментальные авангардные записи Бэзила Кёрчина. Музыка здесь не то чтобы абстрактная, а наоборот довольно понятная, и где здесь «индустриальность» и «север» тоже неясно – под такую музыку легко можно проводить и летние вечера. Но на деле мы лишь можем догадываться о замысле композитора, ведь он и правда писал музыку, абстрагируясь от её цели. Этот инструментальный околоджазовый альбом, как и ещё пять записей Бэзила, предназначался для лондонской музыкальной библиотеки De Wolfe, хранившей музыку для ещё не придуманных фильмов. Кроме того, Кёрчин писал саундтреки и к конкретным фильмам, вряд ли известным вне Британии, а также бросался в неслыханные на тот момент эксперименты.
В военные годы и после них Бэзил был известен как барабанщик из биг-бэндов, начиная с джаз-оркестра своего отца, и даже признавался лучшим по версии NME. Позже, в конце 50-х, он уезжает в духовное странствие, включающее Австралию и Индию, где он провёл почти полгода в храме подле Ганга (ещё до того, как это стало мейнстримом), в ходе которого символически тонут все его записи. Возвращается в Лондон и домой в город Халл Бэзил обновлённым, но более закрытым. В этот период ему удавалось одновременно изобретать (или же использовать только что изобретённые) техники записи, методы по работе с плёнкой, скоростью музыки и записывать максимально приятные альбомы для прослушивания в гостиных или кинотеатрах. Для знакомства с Бэзилом мы выбрали альбом последнего толка.
Сложно сказать, был ли Бэзил пророческой фигурой, повлиявшей на ход музыки, или же безвестным эксцентриком. В ограниченном смысле, он, конечно, ближе к первому – например, им вдохновлялись Stereolab, St. Etienne, Джим О'Рурк, а Брайан Ино, помогавший Бэзилу с изданием первых пластинок, и подавно назвал его «отцом-основателем» эмбиента. Но тиражи его пластинок нельзя было назвать массовыми как в 60-70-х, когда после разочарования в продажах своего magnum opus World Within Worlds (1971) он чуть было не перестал писать музыку, так и сегодня, когда его записи систематично переиздаёт энтузиаст Джонни Транк с Trunk Records, лично знавший Кёрчина. В числе переизданий появляется и library music, включая Abstractions of the Industrial North.
Несмотря на простоту, импрессионистский Abstractions... полон и интенсивности, и протяжности, и света дня, и индустриального грохота, насколько его можно было изобразить инструментами. Здесь вспоминаются и сцены будто из вестернов (Viva Tamla Motown), и мелодрамы, и фильмы о дикой природе, но вообще эта музыка универсальна. Связь с «истоками», природой, очень важна для Кёрчина — он записывал птиц, окружающие его звуки и либо переиначивал их через инструменты (как в Abstractions...), либо манипулировал записями, получая, как он это называл, «musique organique» вместо musique concrète. Умел он работать и с людьми, и на сессии приглашал не только своих знакомых, но и музыкантов из групп Дэвида Боуи и Led Zeppelin. Каждая запись, складывавшаяся из этих компонентов, уже история, и можно лишь сожалеть, что настолько малоизвестная (пока?).
Forwarded from Underrated
Танцы в комендантский час: история движения Тропикалия в 5 альбомах
https://underrated.ru/?p=23006
https://underrated.ru/?p=23006
Jrpjej - Qorror
(2020, Ored Recordings)
post-traditional Circassian music / ritual folk / ethnic
Дебютный альбом Jrpjej, главной группы из ростера лейбла Ored Recordings. Традиционная черкесская музыка в современном переосмыслении.
Ored Recordings, как этнографический лейбл, стал известен и по-своему успешен во многом благодаря своему подходу, который условно можно назвать панк-этнографией (термин, позаимствованный у инициаторов этого направления, Sublime Frequencies). Не нам вам рассказывать, как без налёта какого-либо академизма и колониальных замашек «классической» этнографии, Ored Recordings удалось привлечь внимание условных адептов независимой рок-музыки и любителей экспериментальной электроники к полевым записям, этнографическим экспедициям и традиционной музыке на тех языках, на которых ты обычно понимаешь чуть больше, чем ничего.
Альбом Qorror, вышедший на лейбле в начале этого месяца, стал для Ored Recordings своего рода исключением (и, надеемся, не первым). Группа Jrpjej в пресс-релизе альбома называется «первым по-настоящему продюсерским проектом» лейбла. А песни, которые они исполняют – пост-традиционной музыкой. В содержание этой музыки мы даже не будем рисковать вдаваться, не зная языка. Хотя из лекций ребят из Ored помним, что это преимущественно обрядовая музыка, когда-то давно призванная сопровождать охоту, свадебные празднества, врачебные дела и прочие элементы былого уклада жизни черкесов/адыгов. Пожалуй, в случае конкретно с альбомом Qorror содержание такой музыки здесь отходит на второй план, если, конечно, мы держим в голове позицию слушателя, не знающего язык песен.
Что же в таком случае выходит на первый план при прослушивании этого альбома? Перенеся процесс записи из выездных филд-трипов в околостудийные условия и выпустив Qorror именно как полноценный песенный альбом, коллектив лейбла Ored Recordings сделал очередной важный шаг в продвижении и популяризации [пост-]традиционной музыки. В этом смысле музыкальная форма альбома, то и дело отсылающая то к дроуну и другой экспериментальщине, то к стандартным структурам поп-музыки, делает сам Qorror значительно доступнее для «обычного» слушателя (кем бы он ни был), при этом не умаляя достоинств самой традиционной черкесской музыки. Теперь альбом Jrpjej вполне надолго может поселиться в ваших медиатеках по соседству с каким-нибудь эмбиентом, хип-хопом или новым релизом Тейлор Свифт (шутка про folklore, ну вы поняли), даже если вы (как и мы) в этих песнях ни слова не понимаете.
Cлушать/купить/скачать альбом:
https://oredrecordings.bandcamp.com/album/jrpjej-qorror
(2020, Ored Recordings)
post-traditional Circassian music / ritual folk / ethnic
Дебютный альбом Jrpjej, главной группы из ростера лейбла Ored Recordings. Традиционная черкесская музыка в современном переосмыслении.
Ored Recordings, как этнографический лейбл, стал известен и по-своему успешен во многом благодаря своему подходу, который условно можно назвать панк-этнографией (термин, позаимствованный у инициаторов этого направления, Sublime Frequencies). Не нам вам рассказывать, как без налёта какого-либо академизма и колониальных замашек «классической» этнографии, Ored Recordings удалось привлечь внимание условных адептов независимой рок-музыки и любителей экспериментальной электроники к полевым записям, этнографическим экспедициям и традиционной музыке на тех языках, на которых ты обычно понимаешь чуть больше, чем ничего.
Альбом Qorror, вышедший на лейбле в начале этого месяца, стал для Ored Recordings своего рода исключением (и, надеемся, не первым). Группа Jrpjej в пресс-релизе альбома называется «первым по-настоящему продюсерским проектом» лейбла. А песни, которые они исполняют – пост-традиционной музыкой. В содержание этой музыки мы даже не будем рисковать вдаваться, не зная языка. Хотя из лекций ребят из Ored помним, что это преимущественно обрядовая музыка, когда-то давно призванная сопровождать охоту, свадебные празднества, врачебные дела и прочие элементы былого уклада жизни черкесов/адыгов. Пожалуй, в случае конкретно с альбомом Qorror содержание такой музыки здесь отходит на второй план, если, конечно, мы держим в голове позицию слушателя, не знающего язык песен.
Что же в таком случае выходит на первый план при прослушивании этого альбома? Перенеся процесс записи из выездных филд-трипов в околостудийные условия и выпустив Qorror именно как полноценный песенный альбом, коллектив лейбла Ored Recordings сделал очередной важный шаг в продвижении и популяризации [пост-]традиционной музыки. В этом смысле музыкальная форма альбома, то и дело отсылающая то к дроуну и другой экспериментальщине, то к стандартным структурам поп-музыки, делает сам Qorror значительно доступнее для «обычного» слушателя (кем бы он ни был), при этом не умаляя достоинств самой традиционной черкесской музыки. Теперь альбом Jrpjej вполне надолго может поселиться в ваших медиатеках по соседству с каким-нибудь эмбиентом, хип-хопом или новым релизом Тейлор Свифт (шутка про folklore, ну вы поняли), даже если вы (как и мы) в этих песнях ни слова не понимаете.
Cлушать/купить/скачать альбом:
https://oredrecordings.bandcamp.com/album/jrpjej-qorror
Мы разыгрываем два билета на премьеру фильма 'Swans: where does a body end?', который будет показан на фестивале Beat Film Festival 2020. Хотим поднять настроение себе и вам, поэтому билеты получит автор самого смешного мема/шутки о Swans или Джире. Пишите в комменты нашего ВК-паблика: https://vk.com/that_exploded?w=wall-124779825_2553
За победителя проголосуем всем админсоставом.
За победителя проголосуем всем админсоставом.
Protomartyr - Ultimate Success Today
(2020, Domino)
post-punk / art punk / noise rock / jazz rock
На новом альбоме Protomaryr резюмируют 10 лет своего творчества и состояние многих в 2020 году, переводят отчаяние в надежду, демонстрируют богатство своего звучания.
Детройтские «первомученики» Protomartyr не только имеют одно из наиболее самобытных звучаний в сегодняшнем пост-панке, но и прослыли тонкими знатоками обречённости. На их пятом LP, Ultimate Success Today, несправедливости жизни не просто отрешённо констатируются и едко высмеиваются – вокалист Джо Кейси (Joe Casey) уже сам будто полностью ощутил оттенки боли, о которых поёт, и скорее то неиронично зол, то бессилен сопротивляться. Может поэтому его ёмкая поэтичность, неочевидные метафоры да ещё и проржавелый голос, с пения переходящий на речь, особенно сильно бьют во множество точек; достаётся всем. И тем самым «Boys», т.е. надзирающим институтам, ищущим внешних врагов (Processed By The Boys), и безликим корпорациям, использующих слабых (I Am You Now), и даже летним денькам (June 21). Но есть и надежда. Сколько бедного мула, символ честных трудяг и обычных граждан, не топи, он выплывет*, справится. Не зря Кейси говорит, что вдохновлялся образом страдальца-мула из Au hasard Balthazar (1966) Робера Брессона. Это, кажется, важнейшая тема альбома.
Наверное, впервые группа добивается такой целостности течения альбома, соблюдая баланс интенсивности и тематически соединяя треки: Day Without End перекликается с финалом прошлого альбома, а Modern Business Hymns, например, начинается с действия анестетика: наконец, после тупой, животной боли, пронизывающей Tranquilizer. Теперь можно отпустить разум, дать ему процедить комплексные темы, попредставлять себе смутное будущее. Кейси часто рифмует лирические паттерны, повторяет фразы (например ту, что в названии альбома). Регулярны и пугающе точные предсказания духа времени 2020 – «A foreign disease washed upon the beach», «...a riot in the street» – при том, что UST писался в прошлом году. «Чтобы быть ясновидящим, пиши про сегодня», – подчёркивает Кейси. Вообще, по его словам, альбом должен был соединить всё их творчество, и одновременно воспроизвести заряд и чувство неуверенности дебютного No Passion, All Technique (2012).
С точки зрения продакшена, Ultimate Success Today уверенно идёт в авангарде дискографии Protomaryr. Записанный в нью-йоркской студии, которая в конце XIX века была церковью, и сведённый группой совместно с известным продюсером Дэвидом Толомеи (David Tolomei, работал с Dirty Projectors, Beach House), альбом впервые настолько расширяет список гостей Protomartyr и их инструментов. Кроме Кейси, гитариста Грега Эйхи, басиста Скотта Дэвидсона и барабанщика Алекса Леонарда (Greg Ahee, Scott Davidson & Alex Leonard), на UTC можно услышать голос Half Waif, иногда скрипку, и почти на каждом треке духовые – кларнет и саксофон. Ни один инструмент не выносится на первый план, и в итоге выходит пост-панковый оммаж фри-джазу без выделяющихся соло. Нагнетание звука без высвобождения – один из главных мотивов альбома. Этот звук, очень насыщенный, часто перегруженный, бывает сменяется полувальсирующими The Aphorist или Bridge & Crown, моторик-битом, и неизменно не отпускающими мелодиями. Почти гарантированно будете подпевать Кейси. Заканчивается всё довольно катарcическим финалом – приглушённым криком задавленного ходом истории маленького (?) человека. Он желает нам лучшей жизни и свет гаснет.
* - отсылка к истории одной битвы Америки и Мексики 19 века на Michigan Hummers, где командование штатов по глупости утопило десятки мулов. Подробней об истории этого и других треков Кейси подробно рассказывает в редакторской заметке к альбому на Apple Music.
Слушать: https://protomartyr.bandcamp.com/album/ultimate-success-today
(2020, Domino)
post-punk / art punk / noise rock / jazz rock
На новом альбоме Protomaryr резюмируют 10 лет своего творчества и состояние многих в 2020 году, переводят отчаяние в надежду, демонстрируют богатство своего звучания.
Детройтские «первомученики» Protomartyr не только имеют одно из наиболее самобытных звучаний в сегодняшнем пост-панке, но и прослыли тонкими знатоками обречённости. На их пятом LP, Ultimate Success Today, несправедливости жизни не просто отрешённо констатируются и едко высмеиваются – вокалист Джо Кейси (Joe Casey) уже сам будто полностью ощутил оттенки боли, о которых поёт, и скорее то неиронично зол, то бессилен сопротивляться. Может поэтому его ёмкая поэтичность, неочевидные метафоры да ещё и проржавелый голос, с пения переходящий на речь, особенно сильно бьют во множество точек; достаётся всем. И тем самым «Boys», т.е. надзирающим институтам, ищущим внешних врагов (Processed By The Boys), и безликим корпорациям, использующих слабых (I Am You Now), и даже летним денькам (June 21). Но есть и надежда. Сколько бедного мула, символ честных трудяг и обычных граждан, не топи, он выплывет*, справится. Не зря Кейси говорит, что вдохновлялся образом страдальца-мула из Au hasard Balthazar (1966) Робера Брессона. Это, кажется, важнейшая тема альбома.
Наверное, впервые группа добивается такой целостности течения альбома, соблюдая баланс интенсивности и тематически соединяя треки: Day Without End перекликается с финалом прошлого альбома, а Modern Business Hymns, например, начинается с действия анестетика: наконец, после тупой, животной боли, пронизывающей Tranquilizer. Теперь можно отпустить разум, дать ему процедить комплексные темы, попредставлять себе смутное будущее. Кейси часто рифмует лирические паттерны, повторяет фразы (например ту, что в названии альбома). Регулярны и пугающе точные предсказания духа времени 2020 – «A foreign disease washed upon the beach», «...a riot in the street» – при том, что UST писался в прошлом году. «Чтобы быть ясновидящим, пиши про сегодня», – подчёркивает Кейси. Вообще, по его словам, альбом должен был соединить всё их творчество, и одновременно воспроизвести заряд и чувство неуверенности дебютного No Passion, All Technique (2012).
С точки зрения продакшена, Ultimate Success Today уверенно идёт в авангарде дискографии Protomaryr. Записанный в нью-йоркской студии, которая в конце XIX века была церковью, и сведённый группой совместно с известным продюсером Дэвидом Толомеи (David Tolomei, работал с Dirty Projectors, Beach House), альбом впервые настолько расширяет список гостей Protomartyr и их инструментов. Кроме Кейси, гитариста Грега Эйхи, басиста Скотта Дэвидсона и барабанщика Алекса Леонарда (Greg Ahee, Scott Davidson & Alex Leonard), на UTC можно услышать голос Half Waif, иногда скрипку, и почти на каждом треке духовые – кларнет и саксофон. Ни один инструмент не выносится на первый план, и в итоге выходит пост-панковый оммаж фри-джазу без выделяющихся соло. Нагнетание звука без высвобождения – один из главных мотивов альбома. Этот звук, очень насыщенный, часто перегруженный, бывает сменяется полувальсирующими The Aphorist или Bridge & Crown, моторик-битом, и неизменно не отпускающими мелодиями. Почти гарантированно будете подпевать Кейси. Заканчивается всё довольно катарcическим финалом – приглушённым криком задавленного ходом истории маленького (?) человека. Он желает нам лучшей жизни и свет гаснет.
* - отсылка к истории одной битвы Америки и Мексики 19 века на Michigan Hummers, где командование штатов по глупости утопило десятки мулов. Подробней об истории этого и других треков Кейси подробно рассказывает в редакторской заметке к альбому на Apple Music.
Слушать: https://protomartyr.bandcamp.com/album/ultimate-success-today
Deradoorian - The Expanding Flower Planet
(2015, anticon.)
art pop / progressive pop / psychedelic pop
Сегодня слушаем первый сольный альбом Deradoorian, которая известна по участию в группе Dirty Projectors и проекте Slasher Flicks.
Эйнджел Дерадурян (Angel Deradoorian) начала играть на басу и петь в Dirty Projectors в 2007 году и записала с группой три альбома. Потом переключилась на сольную карьеру под своим настоящим именем. Перед её запланированным на сентябрь релизом нового альбома, мы решили переслушать первый и пока что единственный полноформатный альбом в её дискографии. Это нетривиальная поп-музыка, в которой находится место и для мелодий, и для экспериментов с саундом альбома, то есть его акустическим своеобразием.
Альбом The Expanding Flower Planet вышел на независимом лейбле anticon., про который у нас было две подборки (можно найти их по хэштегу #that_label). Известен этот лейбл в основном авангардным и необычным хип-хопом, но и музыка в духе Deradoorian может иногда разнообразить список резидентов. Совместно с самой Дерадурян альбом продюсировал Кенни Гилмор (Kenny Gilmore), который успел поработать среди прочих с Джулией Холтер и Ариэлем Пинком. Кроме Дерадурян, над созданием альбома работали и другие музыканты: например, её сестра Арлин, гитарист Майкл Локвуд (Michael Lockwood), работавший с Лизой Мари Пресли и Фионой Эппл, и продюсер Ники Ранда (Niki Randa), которая выступила в качестве гостевой певицы.
Музыка на The Expanding Flower Planet довольно многослойная, но при этом в её ткани как будто ощущаются очень уместные пустоты. Их заполняет изменчивый вокал Дерадурян. На этом альбоме мелодии, вдохновленные музыкальной традицией Индии, Среднего Востока и Японии, встречаются с минималистичными ударными партиями и, конечно, вокалом самой Эйнджел Дерадурян.
Слушать:
https://deradoorian.bandcamp.com/album/the-expanding-flower-planet
(2015, anticon.)
art pop / progressive pop / psychedelic pop
Сегодня слушаем первый сольный альбом Deradoorian, которая известна по участию в группе Dirty Projectors и проекте Slasher Flicks.
Эйнджел Дерадурян (Angel Deradoorian) начала играть на басу и петь в Dirty Projectors в 2007 году и записала с группой три альбома. Потом переключилась на сольную карьеру под своим настоящим именем. Перед её запланированным на сентябрь релизом нового альбома, мы решили переслушать первый и пока что единственный полноформатный альбом в её дискографии. Это нетривиальная поп-музыка, в которой находится место и для мелодий, и для экспериментов с саундом альбома, то есть его акустическим своеобразием.
Альбом The Expanding Flower Planet вышел на независимом лейбле anticon., про который у нас было две подборки (можно найти их по хэштегу #that_label). Известен этот лейбл в основном авангардным и необычным хип-хопом, но и музыка в духе Deradoorian может иногда разнообразить список резидентов. Совместно с самой Дерадурян альбом продюсировал Кенни Гилмор (Kenny Gilmore), который успел поработать среди прочих с Джулией Холтер и Ариэлем Пинком. Кроме Дерадурян, над созданием альбома работали и другие музыканты: например, её сестра Арлин, гитарист Майкл Локвуд (Michael Lockwood), работавший с Лизой Мари Пресли и Фионой Эппл, и продюсер Ники Ранда (Niki Randa), которая выступила в качестве гостевой певицы.
Музыка на The Expanding Flower Planet довольно многослойная, но при этом в её ткани как будто ощущаются очень уместные пустоты. Их заполняет изменчивый вокал Дерадурян. На этом альбоме мелодии, вдохновленные музыкальной традицией Индии, Среднего Востока и Японии, встречаются с минималистичными ударными партиями и, конечно, вокалом самой Эйнджел Дерадурян.
Слушать:
https://deradoorian.bandcamp.com/album/the-expanding-flower-planet
Pink Siifu - NEGRO (2020, self-released/de Rap Winkel Records)
sound collage / noisecore / spoken word / political hip-hop / industrial hip-hop / avant-garde
Недавний альбом рэп-экспериметатора Pink Siifu, вдохновлённый как политической жизнью США, так и собственным опытом жизни в Нью-Йорке.
В дискографии Ливингстона Мэттьюза (Pink Siifu) сложно выделить некий магистральный альбом, на примере которого можно было бы судить об общей направленности его работ. Шутка ли, за 6 лет число релизов Pink Siifu и инструментального проекта Мэттьюза iiye перевалило за 48, и это без учёта коллабораций с другими артистами. Тем более удивительным выглядит тот факт, что альбом NEGRO не просто выводит Мэттьюза за привычные для него рамки, но и выворачивает наизнанку всю его творческую методологию.
С одной стороны, на NEGRO сохраняются привычные для Pink Siifu нестрогая структура композиций и спонтанность подачи. С другой, тон самой музыки меняется на более прямой и агрессивный. Это чувствуется уже по выбору семплов, в которых стало значительно меньше ду-вопа и соула и заметно больше вдохновлённого Sun Ra авангардного джаза и даже хардкор-панка. В итоге создаётся впечатление, что вместо пыльного лоу-файного хип-хопа на шаффле случайно включился не менее пыльный и лоу-файный лайв из клуба CBGB’s.
Такая смена фокуса легко объяснима за счёт выбранной Мэттьюзом темы. Проблемы адаптации темнокожего населения США к создаваемым там социальным условиям упоминаются у него не в первый раз, однако именно на NEGRO он обращается к систематической природе этого явления. Pink Siifu напрямую обвиняет политиков и полицейских в бездействии или наоборот, в излишне активном воздействии на чёрное население, в которых он и видит корень всех проблем. При этом, протест Pink Siifu очень личный, скорее даже терапевтический, чем политический.
Журналист Артём Абрамов недавно сравнил последний микстейп российского хип-хоп-продюсера Zumvo с шуткой для своих, которую слушатель волен повторять на разные лады, ускользая тем самым от гнетущих мировых новостей. Новый лонгплей Pink Siifu в этой логике можно сравнить с кричалкой протестующего из Миннеаполиса, руки которого уже заломлены ведущими его в автозак стражами порядка. И в первом, и во втором случаях налицо бессилие перед сложившимися обстоятельствами и попытка сделать хоть что-то для спасения собственного рассудка. Пожалуй, ни в какой другой год, кроме 2020-го, такой альбом, как NEGRO бы выйти не смог.
Слушать:
https://ronee.bandcamp.com/album/negro
sound collage / noisecore / spoken word / political hip-hop / industrial hip-hop / avant-garde
Недавний альбом рэп-экспериметатора Pink Siifu, вдохновлённый как политической жизнью США, так и собственным опытом жизни в Нью-Йорке.
В дискографии Ливингстона Мэттьюза (Pink Siifu) сложно выделить некий магистральный альбом, на примере которого можно было бы судить об общей направленности его работ. Шутка ли, за 6 лет число релизов Pink Siifu и инструментального проекта Мэттьюза iiye перевалило за 48, и это без учёта коллабораций с другими артистами. Тем более удивительным выглядит тот факт, что альбом NEGRO не просто выводит Мэттьюза за привычные для него рамки, но и выворачивает наизнанку всю его творческую методологию.
С одной стороны, на NEGRO сохраняются привычные для Pink Siifu нестрогая структура композиций и спонтанность подачи. С другой, тон самой музыки меняется на более прямой и агрессивный. Это чувствуется уже по выбору семплов, в которых стало значительно меньше ду-вопа и соула и заметно больше вдохновлённого Sun Ra авангардного джаза и даже хардкор-панка. В итоге создаётся впечатление, что вместо пыльного лоу-файного хип-хопа на шаффле случайно включился не менее пыльный и лоу-файный лайв из клуба CBGB’s.
Такая смена фокуса легко объяснима за счёт выбранной Мэттьюзом темы. Проблемы адаптации темнокожего населения США к создаваемым там социальным условиям упоминаются у него не в первый раз, однако именно на NEGRO он обращается к систематической природе этого явления. Pink Siifu напрямую обвиняет политиков и полицейских в бездействии или наоборот, в излишне активном воздействии на чёрное население, в которых он и видит корень всех проблем. При этом, протест Pink Siifu очень личный, скорее даже терапевтический, чем политический.
Журналист Артём Абрамов недавно сравнил последний микстейп российского хип-хоп-продюсера Zumvo с шуткой для своих, которую слушатель волен повторять на разные лады, ускользая тем самым от гнетущих мировых новостей. Новый лонгплей Pink Siifu в этой логике можно сравнить с кричалкой протестующего из Миннеаполиса, руки которого уже заломлены ведущими его в автозак стражами порядка. И в первом, и во втором случаях налицо бессилие перед сложившимися обстоятельствами и попытка сделать хоть что-то для спасения собственного рассудка. Пожалуй, ни в какой другой год, кроме 2020-го, такой альбом, как NEGRO бы выйти не смог.
Слушать:
https://ronee.bandcamp.com/album/negro
Forwarded from Бухарин слушает (Андрей Бухарин)
В связи с усиливающимися дискуссиями вокруг «новой этики» вспомнилась не слишком известная калифорнийская леворадикальная группа 90-х Consolidated.
Крайне любопытная у них была музыка, представляющая собой индастриал, скрещенный с хип-хопом. Крепости этому коктейлю добавлял несмолкающий гвалт лозунгов, речевок, диспутов в защиту прав женщин, сексуальных меньшинств, животных. Помимо обязательной идеологической нагрузки он еще создавал дополнительный, вливающийся в музыку нойз.
Еще в седые времена Буша-старшего эти активисты-веганы без устали обличали американскую военщину, империализм, фашизм, корпорации, шоу-бизнес и далее по списку. Так что каждый наш патриот ли, либерал ли что-нибудь да найдет себе по вкусу.
Оптимальный альбом — «Play More Music» 1992 года, там квинтэссенция звука Consolidated, которые помогали конструировать их камрады-ботаники из-за океана, англичане Meat Beat Manifesto. Как раз оттуда этот шедевр, записанный вместе с сестрами по оружию, феминистским трио The Yeastie Girlz (чувствуете, куда метили?) — называется трек «You Suck», сорри.
Отдаю безвозмездно (то есть даром) песню нашим тигрицам и воительницам — в качестве боевого гимна.
https://www.youtube.com/watch?v=BoyUUu1rPhE
Крайне любопытная у них была музыка, представляющая собой индастриал, скрещенный с хип-хопом. Крепости этому коктейлю добавлял несмолкающий гвалт лозунгов, речевок, диспутов в защиту прав женщин, сексуальных меньшинств, животных. Помимо обязательной идеологической нагрузки он еще создавал дополнительный, вливающийся в музыку нойз.
Еще в седые времена Буша-старшего эти активисты-веганы без устали обличали американскую военщину, империализм, фашизм, корпорации, шоу-бизнес и далее по списку. Так что каждый наш патриот ли, либерал ли что-нибудь да найдет себе по вкусу.
Оптимальный альбом — «Play More Music» 1992 года, там квинтэссенция звука Consolidated, которые помогали конструировать их камрады-ботаники из-за океана, англичане Meat Beat Manifesto. Как раз оттуда этот шедевр, записанный вместе с сестрами по оружию, феминистским трио The Yeastie Girlz (чувствуете, куда метили?) — называется трек «You Suck», сорри.
Отдаю безвозмездно (то есть даром) песню нашим тигрицам и воительницам — в качестве боевого гимна.
https://www.youtube.com/watch?v=BoyUUu1rPhE
YouTube
Consolidated (ft. The Yeastie Girlz) - You Suck [Audio]
"You Suck" by Consolidated from the 1992 album Play More Music.
Download on iTunes: http://smarturl.it/xmyb9l Subscribe to Nettwerk's YouTube channel:
http://smarturl.it/nettwerkyoutube
Download on iTunes: http://smarturl.it/xmyb9l Subscribe to Nettwerk's YouTube channel:
http://smarturl.it/nettwerkyoutube
Juana Molina - Un Día
(2008, Domino)
folktronica / art pop / free folk / psych pop
Сегодня разбираем гипнотичный альбом аргентинской певицы Хуаны Молины из переходного периода её дискографии. В нём она впервые уделяет такое внимание цикличности, электронике и играм с голосом.
Южная Америка во многих культурных аспектах, к сожалению, довольно сильно отдалена от людей из других частей света. К примеру, Хуану Молину, одну из самых самобытных артисток аргентинской сцены, у нас знают не так хорошо, а тем более не слышали о её успехе в комедии на ТВ (в 91-ом создала своё скетч-шоу Juana y sus hermanas). Что интересно, Хуана всегда хотела связать себя с музыкой, что она и сделала, бросив скетчи на пике рейтингов. Любая её работа остаётся задорной, игривой и также не лишённой юмора, он слышен и без слов. Интересно наблюдать за её развитием от альбома к альбому. От более или менее традиционного фолка и авторских песен она переходила к более протяжным формам, игре ритмов и их цикличности, экспериментам с голосом и электроникой. Un Día стал, наверное, первым альбомом, где весь этот букет раскрылся полноценно.
Хуана жонглирует звуками, наслаивая их друг на друга, работая скорее над сочетаниями и очерёдностью, чем над мелодией. При этом некоторые прослойки трека зацикливаются и практически не изменяются, другие закручиваются в причудливые паттерны, а третьи уже больше походят на импровизацию. Часто можно услышать с полдесятка только вокальных дорожек, переплетённых друг с другом. Молина скорее не поёт, но стелит свой вокал в одной плоскости, все инструменты льются вместе с ним, сглаживая малейшую «неровность» звучания – тут нет всплесков или явных затиханий, стандартной песенной структуры. Из строк будто убраны все музыкальные знаки препинания. Из этого образуется редкое качество этого альбома – его можно слушать и как увлекательную, интенсивную электронику (микро-детальность позволяет закопаться в звуки), и как эмбиент-запись для тихих посиделок или перед сном.
Переживать за языковой барьер не приходится, поскольку, по словам Хуаны, она открывает свои тексты и напевы к интерпретации и вообще больше фокусируется на настроении и интонациях, чем на игре слов. К тому же, на Un Día, особенно после одноименного трека, который Хуана пропевает полностью, слов становится намного меньше, чем озорства, «упражнений с языком» в стиле Мередит Монк. «Я буду петь песни без слов / И каждый может представить / Говорю я о любви или о разочаровании / О банальности или о Платоне» – поёт она как раз на первом треке. Наверное, самым показательным будет трек Los Hongos De Marosa, который проходит через несколько фаз, от пения до напевов (голос тут – инструмент), от её гитары до электроники. На фоне однородности немного выделяется камерность No Llama, понемногу восходящая к звонким тонам. Но на деле альбом даже и не хочется делить на отдельные треки, так он хорош как одно целое – cветлый, странный и органичный опыт.
Слушать: https://juanamolina.bandcamp.com/album/un-d-a
(2008, Domino)
folktronica / art pop / free folk / psych pop
Сегодня разбираем гипнотичный альбом аргентинской певицы Хуаны Молины из переходного периода её дискографии. В нём она впервые уделяет такое внимание цикличности, электронике и играм с голосом.
Южная Америка во многих культурных аспектах, к сожалению, довольно сильно отдалена от людей из других частей света. К примеру, Хуану Молину, одну из самых самобытных артисток аргентинской сцены, у нас знают не так хорошо, а тем более не слышали о её успехе в комедии на ТВ (в 91-ом создала своё скетч-шоу Juana y sus hermanas). Что интересно, Хуана всегда хотела связать себя с музыкой, что она и сделала, бросив скетчи на пике рейтингов. Любая её работа остаётся задорной, игривой и также не лишённой юмора, он слышен и без слов. Интересно наблюдать за её развитием от альбома к альбому. От более или менее традиционного фолка и авторских песен она переходила к более протяжным формам, игре ритмов и их цикличности, экспериментам с голосом и электроникой. Un Día стал, наверное, первым альбомом, где весь этот букет раскрылся полноценно.
Хуана жонглирует звуками, наслаивая их друг на друга, работая скорее над сочетаниями и очерёдностью, чем над мелодией. При этом некоторые прослойки трека зацикливаются и практически не изменяются, другие закручиваются в причудливые паттерны, а третьи уже больше походят на импровизацию. Часто можно услышать с полдесятка только вокальных дорожек, переплетённых друг с другом. Молина скорее не поёт, но стелит свой вокал в одной плоскости, все инструменты льются вместе с ним, сглаживая малейшую «неровность» звучания – тут нет всплесков или явных затиханий, стандартной песенной структуры. Из строк будто убраны все музыкальные знаки препинания. Из этого образуется редкое качество этого альбома – его можно слушать и как увлекательную, интенсивную электронику (микро-детальность позволяет закопаться в звуки), и как эмбиент-запись для тихих посиделок или перед сном.
Переживать за языковой барьер не приходится, поскольку, по словам Хуаны, она открывает свои тексты и напевы к интерпретации и вообще больше фокусируется на настроении и интонациях, чем на игре слов. К тому же, на Un Día, особенно после одноименного трека, который Хуана пропевает полностью, слов становится намного меньше, чем озорства, «упражнений с языком» в стиле Мередит Монк. «Я буду петь песни без слов / И каждый может представить / Говорю я о любви или о разочаровании / О банальности или о Платоне» – поёт она как раз на первом треке. Наверное, самым показательным будет трек Los Hongos De Marosa, который проходит через несколько фаз, от пения до напевов (голос тут – инструмент), от её гитары до электроники. На фоне однородности немного выделяется камерность No Llama, понемногу восходящая к звонким тонам. Но на деле альбом даже и не хочется делить на отдельные треки, так он хорош как одно целое – cветлый, странный и органичный опыт.
Слушать: https://juanamolina.bandcamp.com/album/un-d-a