Что такое ASCII-арт?
Своего рода мультимедиа-граффити. Баллончик изначально тоже не создавали для искусства, но он стал его инструментом. То же самое произошло с символами. Их придумали как технические знаки, а люди превратили их в визуальный язык.
ASCII-арт — это изображения, созданные с помощью обычных текстовых символов: букв, цифр, знаков пунктуации. До появления привычной компьютерной графики текст был единственным «строительным материалом» на экране. Уже в 60–70-х годах программисты и операторы ЭВМ начинали «рисовать» логотипы, портреты и постеры прямо в терминалах и печатать их на матричных принтерах. Так техническая необходимость превратилась в отдельный вид цифрового искусства.
Все помнят «полотна» нелепых открыток и пацанских цитат во времена личных блогов и соцсетей, но это гораздо более интересная тема!
В медиаискусстве ASCII-арт давно вышел за рамки «шутки программиста». Почему?
• Ностальгия: вызывает ассоциации с ранними компьютерами и старым интернетом.
• Производительность: сверхлёгкий, быстро грузится, не требует тяжёлых текстур.
• Доступность: это текст: он работает на любых устройствах и дружит со всеми экранами, кодеками и форматами.
• Уникальная эстетика: выделяется среди «вылизанной» графики и шаблонных решений
Где это можно использовать?
• Интерактивные инсталляции, где веб-камера превращает ваше лицо в «портрет» из символов в реальном времени. Или более масштабные и функциональные вещи, как наш концепт "Слава Полёту Чайки
• Музыкальные клипы и визуализаторы, в которых весь видеоряд собран из текстовых знаков. Дада, как в Матрице. Или даже самый настоящий 3D из обычных символов.
• Галерейные работы, где гигантские полотна состоят из кода и текста, а при приближении становится видно, что изображение «собрано» из слов и символов.
Какие бизнес-задачи можно решить при помощи ASCII?
• Айдентика и брендинг: логотипы, постеры, мерч, оформленные ASCII-артом, дают «техно», цифровой и немного олдскульный характер коммуникации.
• Оформление ивентов: интерактивные экраны, на которых гости «превращаются» в ASCII-портреты, или генерация бейджей/аватаров из символов.
В итоге ASCII-арт — это не только ностальгия по старому интернету, а удобный инструмент для мультимедийных проектов: он дешёвый в производстве, легко масштабируется (от терминала до медиафасада) и сразу считывается как «цифровая эстетика», усиливая образ бренда в любой сфере, связанной с технологиями, креативом и коммуникацией.
P.S. В фильме 1989 года «Служебный роман» у секретарши Веры прямо на стене висит ASCII-версия «Моны Лизы»
Своего рода мультимедиа-граффити. Баллончик изначально тоже не создавали для искусства, но он стал его инструментом. То же самое произошло с символами. Их придумали как технические знаки, а люди превратили их в визуальный язык.
ASCII-арт — это изображения, созданные с помощью обычных текстовых символов: букв, цифр, знаков пунктуации. До появления привычной компьютерной графики текст был единственным «строительным материалом» на экране. Уже в 60–70-х годах программисты и операторы ЭВМ начинали «рисовать» логотипы, портреты и постеры прямо в терминалах и печатать их на матричных принтерах. Так техническая необходимость превратилась в отдельный вид цифрового искусства.
Все помнят «полотна» нелепых открыток и пацанских цитат во времена личных блогов и соцсетей, но это гораздо более интересная тема!
В медиаискусстве ASCII-арт давно вышел за рамки «шутки программиста». Почему?
• Ностальгия: вызывает ассоциации с ранними компьютерами и старым интернетом.
• Производительность: сверхлёгкий, быстро грузится, не требует тяжёлых текстур.
• Доступность: это текст: он работает на любых устройствах и дружит со всеми экранами, кодеками и форматами.
• Уникальная эстетика: выделяется среди «вылизанной» графики и шаблонных решений
Где это можно использовать?
• Интерактивные инсталляции, где веб-камера превращает ваше лицо в «портрет» из символов в реальном времени. Или более масштабные и функциональные вещи, как наш концепт "Слава Полёту Чайки
• Музыкальные клипы и визуализаторы, в которых весь видеоряд собран из текстовых знаков. Дада, как в Матрице. Или даже самый настоящий 3D из обычных символов.
• Галерейные работы, где гигантские полотна состоят из кода и текста, а при приближении становится видно, что изображение «собрано» из слов и символов.
Какие бизнес-задачи можно решить при помощи ASCII?
• Айдентика и брендинг: логотипы, постеры, мерч, оформленные ASCII-артом, дают «техно», цифровой и немного олдскульный характер коммуникации.
• Оформление ивентов: интерактивные экраны, на которых гости «превращаются» в ASCII-портреты, или генерация бейджей/аватаров из символов.
В итоге ASCII-арт — это не только ностальгия по старому интернету, а удобный инструмент для мультимедийных проектов: он дешёвый в производстве, легко масштабируется (от терминала до медиафасада) и сразу считывается как «цифровая эстетика», усиливая образ бренда в любой сфере, связанной с технологиями, креативом и коммуникацией.
P.S. В фильме 1989 года «Служебный роман» у секретарши Веры прямо на стене висит ASCII-версия «Моны Лизы»
❤🔥11❤4👍3🔥3🤯1
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
В мире вертикального контента внезапно появился "мягкий протест" и попытки сделать горизонтальный контент "great again"
Так же внезапно, к тренду присоединись BMW, MClaren, и даже Kitkat. Поддержали это и площадки, дав возможность размещать там видео формата аж 5120x1080.
Формат идеально лёг на наш проект с Музеем Вольного Дона и ростовскими мозаиками, которые мы оживили. Настолько идеально, что даже разрешение совпало. Пока мы думали как бы лучше рассказать о проекте — прямо как будто под нас придумали тренд 😏
Ростовские мозаики — это важная часть городской истории из 70–80-х. Они украшали переходы и фасады, рассказывали про казаков, детство, космос и всё то, чем тогда жил Ростов. Мы вернули этим работам движение и эмоцию, чтобы на них снова смотрели не как на старый декор, а как на живой фрагмент города.
Теперь и в соцсетях это выглядит так, как и должно: ярко, и широко!
Так же внезапно, к тренду присоединись BMW, MClaren, и даже Kitkat. Поддержали это и площадки, дав возможность размещать там видео формата аж 5120x1080.
Формат идеально лёг на наш проект с Музеем Вольного Дона и ростовскими мозаиками, которые мы оживили. Настолько идеально, что даже разрешение совпало. Пока мы думали как бы лучше рассказать о проекте — прямо как будто под нас придумали тренд 😏
Ростовские мозаики — это важная часть городской истории из 70–80-х. Они украшали переходы и фасады, рассказывали про казаков, детство, космос и всё то, чем тогда жил Ростов. Мы вернули этим работам движение и эмоцию, чтобы на них снова смотрели не как на старый декор, а как на живой фрагмент города.
Теперь и в соцсетях это выглядит так, как и должно: ярко, и широко!
🔥8❤5🤯2
5 вещей, которые мы чаще всего видим в успешных мультимедиа проектах
За годы работы мы заметили одну вещь. Проекты, которые реально работают и запоминаются, складываются не из удачи. У них почти всегда совпадает несколько простых привычек в коммуникации и процессе. Когда клиент понимает процесс, проект летит. Все быстрее, круче и сильнее, а команда работает как одно целое. Делимся наблюдениями из практики: Пять привычек, которые превращают сотрудничество в удовольствие:
Привычка 1. Давать ясную цель проекта
Когда цель понятна, мультимедиа становится инструментом, а не хаотичным набором эффектов. Мы можем точнее подобрать решения, создать правильное настроение и не потеряться в бесконечных вариациях.
Привычка 2. Привлекать продакшн на раннем этапе
Лучшие проекты рождаются не на монтаже, а на этапе идеи. Когда мы вместе влияем на архитектуру, сценарий и логику перемещения людей, мультимедиа становится частью пространства, а не наклейкой.
Привычка 3. Уважать тайминг
Когда материалы приходят вовремя, правки структурные, а дедлайны реальны, мы можем уделить максимум внимания качеству. В итоге выигрывают все и проект, и команда, и впечатление зрителя.
Привычка 4. Спрашивать, а не гадать
Чем больше диалога, тем лучше результат. Можно всегда уточнить, почему мы предлагаем такой свет, такой звук или такую логику синхронизации. Это ускоряет процесс и снижает количество лишних итераций.
Привычка 5. Доверять и участвовать
Не тотальный контроль, а соучастие и доверие экспертизе. Тогда мы можем смело предлагать новые идеи и находить решения, которые делают проект уникальным. Именно в таких условиях рождаются нестандартные решения и запоминающийся опыт для зрителя.
За годы работы мы заметили одну вещь. Проекты, которые реально работают и запоминаются, складываются не из удачи. У них почти всегда совпадает несколько простых привычек в коммуникации и процессе. Когда клиент понимает процесс, проект летит. Все быстрее, круче и сильнее, а команда работает как одно целое. Делимся наблюдениями из практики: Пять привычек, которые превращают сотрудничество в удовольствие:
Привычка 1. Давать ясную цель проекта
Когда цель понятна, мультимедиа становится инструментом, а не хаотичным набором эффектов. Мы можем точнее подобрать решения, создать правильное настроение и не потеряться в бесконечных вариациях.
Привычка 2. Привлекать продакшн на раннем этапе
Лучшие проекты рождаются не на монтаже, а на этапе идеи. Когда мы вместе влияем на архитектуру, сценарий и логику перемещения людей, мультимедиа становится частью пространства, а не наклейкой.
Привычка 3. Уважать тайминг
Когда материалы приходят вовремя, правки структурные, а дедлайны реальны, мы можем уделить максимум внимания качеству. В итоге выигрывают все и проект, и команда, и впечатление зрителя.
Привычка 4. Спрашивать, а не гадать
Чем больше диалога, тем лучше результат. Можно всегда уточнить, почему мы предлагаем такой свет, такой звук или такую логику синхронизации. Это ускоряет процесс и снижает количество лишних итераций.
Привычка 5. Доверять и участвовать
Не тотальный контроль, а соучастие и доверие экспертизе. Тогда мы можем смело предлагать новые идеи и находить решения, которые делают проект уникальным. Именно в таких условиях рождаются нестандартные решения и запоминающийся опыт для зрителя.
👍10❤7🔥6🤔1
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Сервисы для генерации видео сейчас развиваются невероятно быстро, но при этом разница между версиями ощущается как между эпохами.
Когда мы работали над ростовскими мозаиками, экспериментов было много, результаты получались разными. Иногда мощно, иногда просто уморительно. Вот момент, которым мы не можем не поделиться.
Кстати, как думаете, скоро появится термин "олдскульные нейросети" ? 🤔
Когда мы работали над ростовскими мозаиками, экспериментов было много, результаты получались разными. Иногда мощно, иногда просто уморительно. Вот момент, которым мы не можем не поделиться.
Кстати, как думаете, скоро появится термин "олдскульные нейросети" ? 🤔
🤣16🔥3👍2🤔2
Часто складывается ощущение, что сильные мультимедиа решения рождаются из технологий. История показывает обратное. Крайне интересные и нетривиальные приемы появлялись в момент, когда технологий не хватало и приходилось выкручиваться. Рассказываем о трёх реальных кейсах, где ограничение стало не проблемой, а источником языка.
Pepper’s Ghost. Театр, 1862
В середине XIX века у театра не было ни проекторов, ни экранов, ни тем более цифровых эффектов. При этом зрителю нужно было показать призрака так, чтобы он выглядел убедительно и находился прямо на сцене.
Решение оказалось предельно инженерным. Под определенным углом устанавливали стекло, а за сценой размещали скрытое пространство с актером или объектом. Его отражение «вплывало» в основную сцену и воспринималось как полупрозрачная фигура.
Это не было стилизацией. Это было прямое следствие отсутствия технологий. В результате появился прием, который пережил кино, телевидение и цифровую эпоху и до сих пор используется в музеях, шоу и экспо.
Nam June Paik. Magnet TV, 1965
В 60-е телевизор был закрытым устройством. Художник не мог залезть внутрь сигнала, переписать код или управлять изображением программно. Экран показывал то, что в него приходит, и точка.
Пайк не стал имитировать кино или бороться за контроль над картинкой. Он просто положил промышленный магнит на корпус телевизора. Магнитное поле начало физически искажать электронный луч, и изображение распалось на живую абстракцию.
Ограничение электроники стало художественным методом. Телевизор перестал быть носителем контента и стал материалом. "Magnet TV" считается одной из точек рождения видеоарта именно потому, что Paik работал не «вопреки» устройству, а напрямую, хоть и через своеобразный костыль. Кстати, мы тоже очень любим ретро-тв.
Myron Krueger. Videoplace, середина 1970-х
Майрон Крюгер один из первых художников, работавших с идеей виртуальной и дополненной реальности задолго до появления шлемов и контроллеров. Его не интересовала модель «очки и перчатки». Его интересовала сама природа интерактивности.
В 70-е диджитал интерактив означал одно: датчики, провода, перчатки, костюмы, громоздкое железо. Крюгер считал, что это убивает саму идею взаимодействия. Человек не должен быть обвешан устройствами.
Из этого ограничения родился принципиальный выбор. В его видеосалоне участник не носил на себе ничего. Камеры считывали силуэт человека, система реагировала на его движения, а взаимодействие строилось вокруг тела, жестов и присутствия в пространстве.
Это было не техническое отставание, а осознанный отказ. Ограничение стало основой дизайна. По сути, Майрон заложил логику интерактива, где человек взаимодействует с пространством напрямую, без интерфейсов и инструкций.
Общий вывод довольно простой, но не очень удобный:
Сильные мультимедиа решения редко рождаются в ситуации, когда доступны все технологии. Чаще они появляются именно тогда, когда чего то не хватает. Отсутствие экранов приводит к появлению иллюзий. Отсутствие желания аудитории взаимодействовать и вовлекаться — приводит к постоянному поиску новых механик и новых способов выделиться.
Но это уже совсем другая история, о которой мы поговорим когда наберём 40 реакций под этим постом 😏
Pepper’s Ghost. Театр, 1862
В середине XIX века у театра не было ни проекторов, ни экранов, ни тем более цифровых эффектов. При этом зрителю нужно было показать призрака так, чтобы он выглядел убедительно и находился прямо на сцене.
Решение оказалось предельно инженерным. Под определенным углом устанавливали стекло, а за сценой размещали скрытое пространство с актером или объектом. Его отражение «вплывало» в основную сцену и воспринималось как полупрозрачная фигура.
Это не было стилизацией. Это было прямое следствие отсутствия технологий. В результате появился прием, который пережил кино, телевидение и цифровую эпоху и до сих пор используется в музеях, шоу и экспо.
Nam June Paik. Magnet TV, 1965
В 60-е телевизор был закрытым устройством. Художник не мог залезть внутрь сигнала, переписать код или управлять изображением программно. Экран показывал то, что в него приходит, и точка.
Пайк не стал имитировать кино или бороться за контроль над картинкой. Он просто положил промышленный магнит на корпус телевизора. Магнитное поле начало физически искажать электронный луч, и изображение распалось на живую абстракцию.
Ограничение электроники стало художественным методом. Телевизор перестал быть носителем контента и стал материалом. "Magnet TV" считается одной из точек рождения видеоарта именно потому, что Paik работал не «вопреки» устройству, а напрямую, хоть и через своеобразный костыль. Кстати, мы тоже очень любим ретро-тв.
Myron Krueger. Videoplace, середина 1970-х
Майрон Крюгер один из первых художников, работавших с идеей виртуальной и дополненной реальности задолго до появления шлемов и контроллеров. Его не интересовала модель «очки и перчатки». Его интересовала сама природа интерактивности.
В 70-е диджитал интерактив означал одно: датчики, провода, перчатки, костюмы, громоздкое железо. Крюгер считал, что это убивает саму идею взаимодействия. Человек не должен быть обвешан устройствами.
Из этого ограничения родился принципиальный выбор. В его видеосалоне участник не носил на себе ничего. Камеры считывали силуэт человека, система реагировала на его движения, а взаимодействие строилось вокруг тела, жестов и присутствия в пространстве.
Это было не техническое отставание, а осознанный отказ. Ограничение стало основой дизайна. По сути, Майрон заложил логику интерактива, где человек взаимодействует с пространством напрямую, без интерфейсов и инструкций.
Общий вывод довольно простой, но не очень удобный:
Сильные мультимедиа решения редко рождаются в ситуации, когда доступны все технологии. Чаще они появляются именно тогда, когда чего то не хватает. Отсутствие экранов приводит к появлению иллюзий. Отсутствие желания аудитории взаимодействовать и вовлекаться — приводит к постоянному поиску новых механик и новых способов выделиться.
Но это уже совсем другая история, о которой мы поговорим когда наберём 40 реакций под этим постом 😏
❤6🔥4🤯4👍2
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
В последний рабочий день этого года, когда письма уже не такие срочные, чаты отвечают чуть медленнее, а в воздухе наконец появляется ощущение паузы, хочется просто остановиться и оглянуться.
Этот год был разным. Громким и тихим. Сложным и вдохновляющим. С дедлайнами, монтажами до ночи, внезапными идеями, которые выстреливали лучше любых планов. С проектами, где приходилось разбираться, искать, ошибаться и снова собирать все воедино.
Мы благодарны всем, кто был с нами в этом году. Клиентам за доверие и смелость. Партнерам за совместные эксперименты. Команде за вовлеченность, характер и умение делать невозможное возможным. Именно из этого и складывается настоящий мультимедиа опыт. Не из экранов и технологий, а из людей и общего движения вперед.
Пусть в новом году будет больше времени на смысл, на идеи, на радость от процесса. Пусть технологии помогают, а не отвлекают. И пусть каждый проект будет не просто задачей, а историей, которую хочется прожить.
Спасибо, что этот год мы прошли вместе.
До встречи в новом! 💜
Этот год был разным. Громким и тихим. Сложным и вдохновляющим. С дедлайнами, монтажами до ночи, внезапными идеями, которые выстреливали лучше любых планов. С проектами, где приходилось разбираться, искать, ошибаться и снова собирать все воедино.
Мы благодарны всем, кто был с нами в этом году. Клиентам за доверие и смелость. Партнерам за совместные эксперименты. Команде за вовлеченность, характер и умение делать невозможное возможным. Именно из этого и складывается настоящий мультимедиа опыт. Не из экранов и технологий, а из людей и общего движения вперед.
Пусть в новом году будет больше времени на смысл, на идеи, на радость от процесса. Пусть технологии помогают, а не отвлекают. И пусть каждый проект будет не просто задачей, а историей, которую хочется прожить.
Спасибо, что этот год мы прошли вместе.
До встречи в новом! 💜
❤12🔥8🙏5🕊1
В какой-то момент, глубоко внутри рабочих созвонов, мы сформулировали для себя простую мысль: бренд — это опыт, а не баннер.
С неё и хотим начать 2026 год.
Бренд как опыт:
Сегодня бренд давно перестал жить в логотипе, слогане или рекламном макете. Он живёт в том, что человек реально проживает, сталкиваясь с компанией.
Мы работаем с брендом не как с визуальным объектом, а как с опытом. Как с выстроенной последовательностью ощущений, реакций и смыслов. Как со сценарием взаимодействия между брендом и аудиторией.
Бренд как опыт — это когда человек не просто смотрит, а вовлекается. Не просто читает, а понимает и запоминает. Не просто проходит мимо, а оказывается внутри истории.
И именно здесь мультимедиа становится ключевым инструментом. Через пространство, свет, звук, интерактив и сценарии бренд перестаёт «сообщать» и начинает давать опыт, который можно почувствовать, запомнить и связать с собой.
Такой подход позволяет:
• удерживать внимание дольше стандартных форматов
• объяснять сложные продукты и идеи за минуты, а не через десятки слайдов
• создавать эмоциональную связь и эффект присутствия
• усиливать доверие со стороны аудитории, партнёров и руководства
• превращать мероприятия и экспозиции в точки контакта, которые продолжают работать на бренд и после события
Бренд как опыт — это не вау ради вау. Это про осмысленный результат, где каждая технология работает на задачу, а не наоборот.
С неё и хотим начать 2026 год.
Бренд как опыт:
Сегодня бренд давно перестал жить в логотипе, слогане или рекламном макете. Он живёт в том, что человек реально проживает, сталкиваясь с компанией.
Мы работаем с брендом не как с визуальным объектом, а как с опытом. Как с выстроенной последовательностью ощущений, реакций и смыслов. Как со сценарием взаимодействия между брендом и аудиторией.
Бренд как опыт — это когда человек не просто смотрит, а вовлекается. Не просто читает, а понимает и запоминает. Не просто проходит мимо, а оказывается внутри истории.
И именно здесь мультимедиа становится ключевым инструментом. Через пространство, свет, звук, интерактив и сценарии бренд перестаёт «сообщать» и начинает давать опыт, который можно почувствовать, запомнить и связать с собой.
Такой подход позволяет:
• удерживать внимание дольше стандартных форматов
• объяснять сложные продукты и идеи за минуты, а не через десятки слайдов
• создавать эмоциональную связь и эффект присутствия
• усиливать доверие со стороны аудитории, партнёров и руководства
• превращать мероприятия и экспозиции в точки контакта, которые продолжают работать на бренд и после события
Бренд как опыт — это не вау ради вау. Это про осмысленный результат, где каждая технология работает на задачу, а не наоборот.
👍6🔥3❤1🤔1
Как рождается ощущение погружения
Не магия и не железо, а совокупность маленьких решений.
Ощущение погружения часто воспринимают как что-то мистическое. Будто нужен особый экран, дорогая технология или сложный эффект. На практике все иначе.
Погружение собирается из множества небольших, но точных решений.
1. Контекст важнее эффекта
Человек должен понимать, где он находится и зачем. Когда пространство логично, не возникает сопротивления. Зритель перестает «смотреть» и начинает находиться внутри.
2. Звук делает пространство объемным
Даже простой визуал начинает жить иначе, когда звук работает с глубиной, направлением и паузами. Хороший звук не привлекает внимание к себе. Он незаметно формирует ощущение среды.
3. Свет задает ритм
Не яркость, а динамика. Где акцент, где пауза, где мягкий переход. Свет ведет человека, даже если он этого не осознает.
4, Реакция важнее интерактива
Погружение появляется не тогда, когда можно нажать кнопку, а когда пространство отвечает. На движение, на присутствие, на время. Даже минимальная реакция создает ощущение диалога.
5. Сценарий решает
Без сценария любой набор технологий остается набором. Погружение появляется, когда есть начало, развитие и завершение. Когда у опыта есть логика и дыхание.
Например:
1. teamLab Borderless
Это музей цифрового искусства в Токио, созданный художественным коллективом teamLab совместно с девелопером Mori Building. Пространство представляет собой «бескрайний» лабиринт интерактивных инсталляций, где зритель становится частью произведения. Музей прославился как один из символов новой медиа-культуры Японии.
Тут часто думают, что все держится на проекторах и графике. На самом деле ключ в другом.
Что создает погружение:
– отсутствие фиксированного маршрута
– звук, который перетекает между залами
– свет, реагирующий на движение людей
– сцены без явного начала и конца
Человек не смотрит экспозицию. Он в ней живет.
2. Artechouse
Целая сеть инновационных арт-пространств в США, специализирующихся на иммерсивных цифровых выставках на стыке искусства, науки и технологий.
Технологий много, но ощущение погружения строится на ритме.
Что работает на погружение:
– строгая синхронизация света, звука и визуала
– паузы между сценами
– смена масштабов от камерного к большому
Если убрать сценарий, пространство рассыпается. Сценарий здесь важнее контента.
3. Atelier des Lumières
Atelier des Lumières — центр цифрового и иммерсивного искусства в Париже. Расположенный в бывшей литейной мастерской XIX века, он с 2018 года проводит крупномасштабные мультимедийные выставки, которые превращают шедевры живописи и культуры в динамические световые и звуковые спектакли.
Проекции 360 градусов есть у многих. Погружение есть не у всех.
Почему здесь всё работает:
– стены, пол и потолок становятся единым холстом
– звук не иллюстрирует визуал, а формирует атмосферу
– свет не равномерный, а живой и направляющий
В итоге человек перестает искать экран. Он внутри картины.
Какой же вывод?
Погружение это не эффект. Это состояние.
И оно рождается там, где каждая мелочь работает на одно ощущение, а не на демонстрацию возможностей.
Не магия и не железо, а совокупность маленьких решений.
Ощущение погружения часто воспринимают как что-то мистическое. Будто нужен особый экран, дорогая технология или сложный эффект. На практике все иначе.
Погружение собирается из множества небольших, но точных решений.
1. Контекст важнее эффекта
Человек должен понимать, где он находится и зачем. Когда пространство логично, не возникает сопротивления. Зритель перестает «смотреть» и начинает находиться внутри.
2. Звук делает пространство объемным
Даже простой визуал начинает жить иначе, когда звук работает с глубиной, направлением и паузами. Хороший звук не привлекает внимание к себе. Он незаметно формирует ощущение среды.
3. Свет задает ритм
Не яркость, а динамика. Где акцент, где пауза, где мягкий переход. Свет ведет человека, даже если он этого не осознает.
4, Реакция важнее интерактива
Погружение появляется не тогда, когда можно нажать кнопку, а когда пространство отвечает. На движение, на присутствие, на время. Даже минимальная реакция создает ощущение диалога.
5. Сценарий решает
Без сценария любой набор технологий остается набором. Погружение появляется, когда есть начало, развитие и завершение. Когда у опыта есть логика и дыхание.
Например:
1. teamLab Borderless
Это музей цифрового искусства в Токио, созданный художественным коллективом teamLab совместно с девелопером Mori Building. Пространство представляет собой «бескрайний» лабиринт интерактивных инсталляций, где зритель становится частью произведения. Музей прославился как один из символов новой медиа-культуры Японии.
Тут часто думают, что все держится на проекторах и графике. На самом деле ключ в другом.
Что создает погружение:
– отсутствие фиксированного маршрута
– звук, который перетекает между залами
– свет, реагирующий на движение людей
– сцены без явного начала и конца
Человек не смотрит экспозицию. Он в ней живет.
2. Artechouse
Целая сеть инновационных арт-пространств в США, специализирующихся на иммерсивных цифровых выставках на стыке искусства, науки и технологий.
Технологий много, но ощущение погружения строится на ритме.
Что работает на погружение:
– строгая синхронизация света, звука и визуала
– паузы между сценами
– смена масштабов от камерного к большому
Если убрать сценарий, пространство рассыпается. Сценарий здесь важнее контента.
3. Atelier des Lumières
Atelier des Lumières — центр цифрового и иммерсивного искусства в Париже. Расположенный в бывшей литейной мастерской XIX века, он с 2018 года проводит крупномасштабные мультимедийные выставки, которые превращают шедевры живописи и культуры в динамические световые и звуковые спектакли.
Проекции 360 градусов есть у многих. Погружение есть не у всех.
Почему здесь всё работает:
– стены, пол и потолок становятся единым холстом
– звук не иллюстрирует визуал, а формирует атмосферу
– свет не равномерный, а живой и направляющий
В итоге человек перестает искать экран. Он внутри картины.
Какой же вывод?
Погружение это не эффект. Это состояние.
И оно рождается там, где каждая мелочь работает на одно ощущение, а не на демонстрацию возможностей.
❤6👍6❤🔥4🤔1
Как мультимедиа помогает бренду быть спокойным.
И почему это считывается как сила, а не как отсутствие идей.
В ивентах и бренд-средах долгое время работала простая логика. Если хочешь, чтобы тебя заметили, будь громче. Больше света, больше динамики, больше экранов, больше эффектов. Но за последние годы стало заметно другое. Самые уверенные бренды все чаще выбирают противоположный язык. Они выглядят спокойно и это не про минимализм ради эстетики, а про ощущение контроля и зрелости, которое человек считывает почти мгновенно.
В психологии восприятия давно описан эффект когнитивной нагрузки. Чем агрессивнее среда борется за внимание, тем быстрее человек устает и тем ниже уровень доверия. Harvard Business Review неоднократно писал о том, что избыточная стимуляция снижает ощущение надежности бренда, особенно в сложных или статусных контекстах. Спокойная среда, наоборот, считывается как уверенность в себе. Бренду не нужно доказывать, он просто присутствует.
Здесь полезно провести параллель с кино. Лучшая графика это та, которую вообще не замечают. Пока она работает на историю, настроение и ритм, зритель не фиксирует сам прием. Проблемы начинаются тогда, когда технология выходит на первый план и начинает демонстрировать себя. Исполнение всегда стареет. Идея и ощущение остаются. Космическая Одиссея до сих пор смотрится великолепно, а на ранние части Звездный Войн, где CGI в свое время был передовым — уже не взглянешь без боли.
Это хорошо видно на примерах, которые редко попадают в подборки «вау кейсов».
Первое, что приходит в голову — Apple и их презентации продуктов. При всех возможностях, которые у них есть, мультимедиа там предельно сдержанное и вряд ли это от жадности. Чистый свет, минимум динамических фонов, почти полное отсутствие визуального шума во время ключевых тезисов. Исследования Nielsen Norman Group показывают, что такие среды снижают когнитивную нагрузку и повышают доверие к информации. В итоге внимание сосредоточено не на шоу, а на смысле. Это и есть спокойствие как позиция.
Похожим образом работает Aesop в своих ритейл-пространствах. Во многих магазинах вообще нет экранов. Свет мягкий, звук почти отсутствует, акцент сделан на тактильность и материал. Исследования Journal of Consumer Psychology подтверждают, что сенсорное спокойствие напрямую повышает доверие к бренду. Человек чувствует, что на него не давят, и автоматически начинает доверять.
Еще один показательный пример это Mercedes-Benz. Это бренд, который давно перестал доказывать статус через громкость. В презентациях, дилерских пространствах и бренд-экспо Mercedes последовательно использует сдержанный мультимедиа язык, даже когда речь идет о технологичных продуктах.
В их пространствах почти нет агрессивной динамики. Свет мягкий и архитектурный, визуал медленный, экраны работают как фон или дополнение, а не как центр внимания. Звук используется точечно и аккуратно. Пространство не пытается впечатлить, оно транслирует контроль, точность и уверенность.
Это не вопрос вкуса, а часть бренд-стратегии. Mercedes сознательно проектирует опыт так, чтобы технологии ощущались не как шоу, а как естественное продолжение продукта. Мультимедиа здесь не демонстрирует инновации, а создает ощущение надежности и зрелости. Именно поэтому бренд воспринимается спокойно, даже когда говорит о будущем.
Важно понимать, что во всех этих случаях мультимедиа не убрано. Оно просто перестает быть главным героем. Свет работает как навигация, звук как атмосфера, визуал как поддержка смысла. Технологии уходят в инфраструктуру и перестают требовать внимания к себе.
Именно поэтому спокойствие становится одним из самых недооцененных KPI. Его сложно измерить цифрами, но легко почувствовать. Если после события человек чувствует ясность, комфорт и уважение к себе, бренд автоматически воспринимается как зрелый и надежный.
Мультимедиа в этом случае не усиливает громкость.
Оно усиливает уверенность.
И это один из самых сильных языков, которые бренд может выбрать сегодня.
И почему это считывается как сила, а не как отсутствие идей.
В ивентах и бренд-средах долгое время работала простая логика. Если хочешь, чтобы тебя заметили, будь громче. Больше света, больше динамики, больше экранов, больше эффектов. Но за последние годы стало заметно другое. Самые уверенные бренды все чаще выбирают противоположный язык. Они выглядят спокойно и это не про минимализм ради эстетики, а про ощущение контроля и зрелости, которое человек считывает почти мгновенно.
В психологии восприятия давно описан эффект когнитивной нагрузки. Чем агрессивнее среда борется за внимание, тем быстрее человек устает и тем ниже уровень доверия. Harvard Business Review неоднократно писал о том, что избыточная стимуляция снижает ощущение надежности бренда, особенно в сложных или статусных контекстах. Спокойная среда, наоборот, считывается как уверенность в себе. Бренду не нужно доказывать, он просто присутствует.
Здесь полезно провести параллель с кино. Лучшая графика это та, которую вообще не замечают. Пока она работает на историю, настроение и ритм, зритель не фиксирует сам прием. Проблемы начинаются тогда, когда технология выходит на первый план и начинает демонстрировать себя. Исполнение всегда стареет. Идея и ощущение остаются. Космическая Одиссея до сих пор смотрится великолепно, а на ранние части Звездный Войн, где CGI в свое время был передовым — уже не взглянешь без боли.
Это хорошо видно на примерах, которые редко попадают в подборки «вау кейсов».
Первое, что приходит в голову — Apple и их презентации продуктов. При всех возможностях, которые у них есть, мультимедиа там предельно сдержанное и вряд ли это от жадности. Чистый свет, минимум динамических фонов, почти полное отсутствие визуального шума во время ключевых тезисов. Исследования Nielsen Norman Group показывают, что такие среды снижают когнитивную нагрузку и повышают доверие к информации. В итоге внимание сосредоточено не на шоу, а на смысле. Это и есть спокойствие как позиция.
Похожим образом работает Aesop в своих ритейл-пространствах. Во многих магазинах вообще нет экранов. Свет мягкий, звук почти отсутствует, акцент сделан на тактильность и материал. Исследования Journal of Consumer Psychology подтверждают, что сенсорное спокойствие напрямую повышает доверие к бренду. Человек чувствует, что на него не давят, и автоматически начинает доверять.
Еще один показательный пример это Mercedes-Benz. Это бренд, который давно перестал доказывать статус через громкость. В презентациях, дилерских пространствах и бренд-экспо Mercedes последовательно использует сдержанный мультимедиа язык, даже когда речь идет о технологичных продуктах.
В их пространствах почти нет агрессивной динамики. Свет мягкий и архитектурный, визуал медленный, экраны работают как фон или дополнение, а не как центр внимания. Звук используется точечно и аккуратно. Пространство не пытается впечатлить, оно транслирует контроль, точность и уверенность.
Это не вопрос вкуса, а часть бренд-стратегии. Mercedes сознательно проектирует опыт так, чтобы технологии ощущались не как шоу, а как естественное продолжение продукта. Мультимедиа здесь не демонстрирует инновации, а создает ощущение надежности и зрелости. Именно поэтому бренд воспринимается спокойно, даже когда говорит о будущем.
Важно понимать, что во всех этих случаях мультимедиа не убрано. Оно просто перестает быть главным героем. Свет работает как навигация, звук как атмосфера, визуал как поддержка смысла. Технологии уходят в инфраструктуру и перестают требовать внимания к себе.
Именно поэтому спокойствие становится одним из самых недооцененных KPI. Его сложно измерить цифрами, но легко почувствовать. Если после события человек чувствует ясность, комфорт и уважение к себе, бренд автоматически воспринимается как зрелый и надежный.
Мультимедиа в этом случае не усиливает громкость.
Оно усиливает уверенность.
И это один из самых сильных языков, которые бренд может выбрать сегодня.
👍10❤🔥8🤔4🔥1